{"title":"Art","description":"","products":[{"product_id":"jeux-de-mains-by-cecile-poimboeuf-koizumi-stephen-ellcock","title":"JEUX DE MAINS \/ Cécile Poimbœuf-Koizumi \u0026 Stephen Ellcock","description":"\u003cp\u003e芸術家が「手」をテーマとして手がけた作品にまつわる作品集。アーティストの多くは、そのキャリアのどこかで創造の普遍的なシンボルである「手」を主題とした作品を作っている。繰り返し登場するモチーフに手を選ぶアーティストも多い。フランスの出版社「CHOSE COMMUNE」の創設者・編集者であるセシル・ポワンブフ・コイズミ（Cécile Poimboeuf-Koizumi）はこの気づきに触発され、テーマや時系列に囚われずに自分が心惹かれた作品を集めて1冊の本を作り上げた。作品のセレクションは、オンラインアート・キュレーターであり、ライター、編集者のスティーブン・エルコック（Stephen Ellcock）とのコラボレーションによって行われた。ここ数年エルコックは、Instagram と Facebook で毎日素晴らしいイメージを紹介し続け、実際にアートギャラリーを訪れている気分にさせてくれるとして多くのフォロワーを集めている。パブロ・ピカソ（Pablo Picasso）からエレナ・アルメイダ（Helena Almeida）、ルイーズ・ブルジョワ（Louise Bourgeois）からアルベルト・ジャコメッティ（Alberto Giacometti）、ジョン・バルデッサリ（John Baldessari）からフランチェスカ・ウッドマン（Francesca Woodman）まで、そして古代から大衆的なイメージ資料まで、宝の山のようなこの本は、有名無名、新人巨匠を問わず、幅広い分野で活躍するアーティストを対比し混在させている。直感的に編纂された本書に収められているイメージの数は100点を超える。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e※本書はフランス装で造本されています。ページは切り離さないようご注意の上、お読みください。各ページを丁寧に半分ほど開くと、内側に各作品の詳細が記載されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003e360 pages\u003cbr\u003e125 x 165 mm \u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e2022\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by CHOSE COMMUNE\u003c\/p\u003e","brand":"Chose Commune","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750412632361,"sku":"1","price":7040.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/JEUXDEMAINS00.jpg?v=1715499421"},{"product_id":"what-if-god-was-an-insect-by-johanna-tagada-hoffbeck","title":"What if God was an insect? by Johanna Tagada Hoffbeck","description":"\u003cp\u003e2021年、本屋青旗で開催された展覧会「What if God was an insect? \/ もし神さまが虫だったら？」にあわせて刊行されたジョアンナ・タガダ・ホフベックの作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e英国を拠点とするアーティスト、ジョアンナ・タガダ・ホフベックはInOtherWordsから「Daily Practice」（2018）、ChoseCommuneから「Do Insects Play?」(2019)を刊行するなど、ペインティング、ドローイング、写真、彫刻など、様々な媒体を通して作品を発表してきました。日本では、展覧会「Take Care - きをつけて」(Nidi Gallery, 2018)や「From brown to pink, from pink to green」(READAN DEAT,2020)、雑誌「Journal du Thé - Contemporary Tea Culture」で記憶にあたらしい方も多いかもしれません。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e作品集「What if God was an insect?」は、最新作のペインティングを中心に、アーティストが庭づくりを通して観察、考察した事柄から発展した作品を収録。今回、ジョアンナ・タガダ・ホフベックは、人間と人間以外の生物の関係性を問い直し、他者とともにあることを学ぶ場としての庭を描き出します。「もし神さまが虫だったら？」という問いは、アーティストからの「うつくしいとはなにか？」という問いであり、わたしたちが日々目にする景色の輪郭を捉えなおす試みでもあります。人間と虫\/神様の視点を行き来するような構成・デザインはアートディレクター・グラフィックデザイナーの田中せり。ぜひご覧ください。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eー\u003cbr\u003e庭は、人間を対象にしてデザインされる空間です。それゆえに、庭は人間中心です。概念としての庭は、必ずしも虫や、他の生物の幸福への配慮を排除するものではありません。ワイルドライフガーデンは、多くの園芸についての会話の中心であり、私たちは、その庭で、思いやりを学ぶのではないでしょうか。アーティストの園芸家として、これらのページで、私の問いを思い切って、率直に投げかけてみたいと思います。これは隠喩です。もしもっとも強い力を、もっとも小さな存在が持っていたら？お茶や食物を栽培したり用意したり、日常の身ぶりに対する私たちのアプローチは、私たち自身の生活様式を変えるでしょうか?きっと変えるでしょう。一神教か、多神教か、神性を信じているか、それとも無宗教かは、この考察において問題ではありません。あの夏の夕暮れに、私はマメを収穫しながら、小さなものたちを、宗教的、そして現代的な精神上の実践を促すような、尊敬の念をもって扱ったら、きっと、もっと思いやりのある世界が広がるのではないかと想像したのです。ージョアンナ・タガダ・ホフベック （※本書より抜粋）\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eー\u003cbr\u003e会場掲載文\u003cbr\u003e本展のタイトル「もし神さまが虫だったら?」は、私たちの想像力をかきたてながら、こうした状況に対して警鐘を鳴らすものであるとともに、その先の実践へと私たちを誘います。ジョアンナ・タガダ・ホフベックは、「庭づくりには、ある種のリズム、絶え間ない感動、明白に数値化できるとはかぎらない成長、そして失敗からの成長がある」と言います。存在するもの、消えゆくもの、そしてかつて存在していたものの思い出がうごめく庭で、私たちは何を学ぶことができるでしょうか。彼女は私たちに問いかけます。もし神さまが虫だったら、あなたはどうする? ー金沢みなみ\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eー\u003cbr\u003eJohanna Tagada Hoffbeck ジョアンナ・タガダ・ホフベック\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e1990年、フランス生まれ、ロンドン在住。ペインティング、ドローイング、インスタレーション、彫刻、映画、 写真、やわらかく繊細でエコロジカルなメッセージが含まれたテクスト、など様々なメディアを用いるアー ティスト。グループ展多数。個展としては「Épistolaire Imaginaire - Merci 」(Galerie Jean-Francois Kaiser, 2017)、「Take Care - きをつけて」(Nidi Gallery, 2018)。2014 年に、コラボレーションプロジェクト Poetic Pastel を設立。2018 年に出版プロジェクト「Journal du Thé - Contemporary Tea Culture」始動。2018 年 には 最初の作品集「Daily Practice」(InOtherWords) が出版されている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ewww.johannatagada.net\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eー\u003cbr\u003eSize: B5 182 x 257 mm \/ ページ内変形\u003cbr\u003ePages: 24\u003cbr\u003eText: Japanese \/ English\u003cbr\u003eLimited edition of 500 copies\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtworks \u0026amp; Text by Johanna Tagada Hoffbeck\u003cbr\u003eJapanese translation by Minami Kanesawa\u003cbr\u003eProof-read by Harnam Kaur Chana\u003cbr\u003eDesigned by Seri Tanaka\u003cbr\u003ePrinted by SHOEI inc.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Ao-Hata Publishing, 2021\u003c\/p\u003e","brand":"Ao-Hata Publishing","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750425706793,"sku":"","price":2640.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/whatifgodwasaninsect1.jpg?v=1721020154"},{"product_id":"the-cut-outs-henri-matisse","title":"THE CUT-OUTS \/ Henri Matisse","description":"\u003cp\u003e20世紀を代表するフランス人アーティスト、アンリ・マティス（Henri Matisse）の作品集。2014年にロンドンのテート・モダン、2015年にニューヨークのMoMAで開催された展覧会に伴い刊行されたもの。本書は、後期の作者を象徴する切り紙絵作品を中心に、関連する油彩やドローイングを収録。アトリエでの制作風景や、切り紙絵の制作過程を記録した貴重な写真など、未公開の写真を含む豊富な図版で紹介しています。作者が用いた手法や材料から切り紙絵を再考し、仕上げとプロセス、美術と装飾、ドローイングと色彩の関係性を考察し、その大胆な色彩と生き生きとした構図で今なお人々を魅了し続けるマティスの晩年の重要作品をまとめた作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e編集はキュレーターのカール・ブッフバーグ（Karl Buchberg）、ニコラス・カリナン（Nicholas Cullinan）、ジョディ・ハウプトマン（Jodi Hauptman）が手がける。また、キュレーターのサマンサ・フリードマン（Samantha Friedman）と美術史家のフラビア・フリゲリ（Flavia Frigeri）による寄稿も収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 256\u003cbr\u003eSize: 225 x 270 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by TATE PUBLISHING, 2014\u003c\/p\u003e","brand":"Tate Publishing","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750427705641,"sku":"","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/THECUT-OUTSbyHenriMatisse.jpg?v=1715083669"},{"product_id":"kiyosato-museum-of-contemporary-art-archive-i-ephemera","title":"KIYOSATO MUSEUM OF CONTEMPORARY ART. ARCHIVE I: EPHEMERA","description":"\u003cp\u003e1990年に山梨県清里に開館し、2014年に閉館となってしまった個人美術館「清里現代美術館」が所蔵していた貴重なエフェメラをまとめた作品集。本書は、これまで一度もまとめられることがなかった清里現代美術館の資料をまとめ、アーカイブブックを出版するプロジェクトの第1巻として刊行されたもの。「Ephemera（エフェメラ）」は一時的な筆記物および印刷物という意味。本作では、瀧口修造や松澤宥、サイ・トゥオンブリー、ドナルド・ジャッド、ジョン・ケージ、マルセル・デュシャンなど、1960〜1980年代を中心とした貴重なエフェメラの数々を500ページ超のボリュームでまとめています。それぞれの表裏や見開きなどを収めた豊富な図版を通して、実際に手にとって見ているような感覚を体験できます。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e収録作家：瀧口修造、松澤宥、クレス・オルデンバーグ（Claes Oldenburg）、サイ・トゥオンブリー（Cy Twombly）、ダニエル・ビュラン（Daniel Buren）、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）、エルズワース・ケリー（Ellsworth Kelly）、ハンネ・ダルボーフェン（Hanne Darboven）、ジョン・ケージ（John Cage）、マルセル・デュシャン（Marcel Duchamp）、ロバート・ラウシェンバーグ（Robert Rauschenberg）、スタンリー・ブラウン（Stanley Brouwn）、トニー・クラッグ（Tony Cragg）、ヴォルフガング・ライプ（Wolfgang Laib）他多数\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 512\u003cbr\u003eSize: 185x257 mm\u003cbr\u003ehardcover, color\u003cbr\u003elimited edition of 1,500 copies\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesign: Tanuki\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by EDITION TELESCOPE, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION TELESCOPE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750428885289,"sku":"","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/kiyosatomuseum.jpg?v=1723211382"},{"product_id":"a-mycological-foray-john-cage-third-edition","title":"A MYCOLOGICAL FORAY \/ John Cage","description":"\u003cp\u003e「キノコに熱中することによって、音楽についてより多くを学ぶことができるという結論に至った。」- ジョン・ケージ\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e東洋思想やフルクサスなどとも関りが深く、音楽のみならず後の芸術や文化に大きな影響を与えた作曲家ジョン・ケージ（John Cage）の作品集。2冊組で構成された本書のうち1冊は、作者がキノコを採集している様子を収めた写真や日記、当時作者が持ち歩いたフィールドブック、1971年に制作したコラージュブックほか、60年代から90年代に収集された写真など、当時の貴重な記録をまとめたもの。1983年に公演された『MUSHROOMS et Variationes』の完全版スクリプトも収録しています。もう1冊は、1972年に作者が75部限定で制作したポートフォリオ『MUSHROOM BOOK』を初めて複製したもの。アメリカ人イラストレーター ロイス・ロング（Lois Long）によるキノコのドローイングと、植物学者のアレクサンダー・H・スミス（Alexander H. Smith）による解説を掲載しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 224\u003cbr\u003eSize: 279x203 mm\u003cbr\u003esoftcover book and unbound portfolio in a slipcase \u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by ATELIER ÉDITIONS, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"Atelier Éditions","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750431572265,"sku":"","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/amycologicalforay.jpg?v=1710922405"},{"product_id":"the-oldest-thing-ruth-van-beek","title":"The Oldest Thing \/ Ruth van Beek","description":"\u003cp\u003eオランダ出身のアーティスト、ルース・ファン・ビーク（Ruth van Beek）の作品集。作者は、主に古い本から引用したイメージを素材として作品制作を行います。彼女は、カトラリーや調理器具、洋服、家具、果物など、生活にありふれた写真を用いて、折ったり、切ったり、ペイントした紙片を重ねたりすることでそれらに物理的に介入し、写真に新たな文脈を繋げています。本作『The Oldest Thing』は、自身の膨大なイメージアーカイブを並置しながら、コラージュやペインティングを500ページ超のボリュームでまとめたもの。これらのイメージの間には、作者の長年の友人であるバジェ・ボア（Basje Boer）による7篇の詩が収められています。日常で繰り返される作業に敬意を表しながら、その向こうに存在する謎めいた世界に光を当てた作品集。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 512\u003cbr\u003e\nSize: 160 x 120 mm, \u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Van Zoetendaal Publishers, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Van Zoetendaal Publishers","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750432653609,"sku":"1","price":9900.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/PXL_20230729_025411335.jpg?v=1710656342"},{"product_id":"subject-to-reversal-alex-katz","title":"SUBJECT TO REVERSAL \/ Alex Katz","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・カッツ（Alex Katz）の作品集。本書は、作者の特徴である色彩豊かで滑らかなポートレートながら、その後ろ姿を描いた作品がまとめられたもの。本作では、妻エイダや息子ヴィンセントをはじめ、作家の最も親しみのあるモデルが多数登場しますが、カッツはその特徴的な無表情ではなく、軽妙な後ろ姿を描写しています。画家とモデルの親密さを暗示しながら、同時に鑑賞者に一定の距離感と冷静さをもたらした、美しくも軽やかな作品集。一部のポートレートでは、油彩とともに繊細に描かれた木炭画を収録しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e2008年にアメリカ・シカゴのギャラリーRichard Gray Galleryで開催された展覧会にあわせて刊行された一冊。\u003cbr\u003e\n-\u003cbr\u003e\nPages: 42\u003cbr\u003e\nSize:\u003cbr\u003e\nSoftcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Richard Gray Gallery, 2008\u003c\/p\u003e","brand":"Richard Gray Gallery","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750433177897,"sku":"1","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/SUBJECTTOREVERSAL_AlexKatz.jpg?v=1710167518"},{"product_id":"find-your-verb-isoya-hirofumi-signed","title":"Find Your Verb \/ Isoya Hirofumi [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e2022年に長野県の小海町高原美術館で開催された美術家 磯谷博史の展覧会「動詞を見つける Find Your Verb」の展覧会図録。本展は、パリのポンピドゥー・センターやサンフランシスコ近代美術館に作品が収蔵されるなど、国内外で注目を集めるアーティスト 磯谷博史の公立美術館で初となった大規模個展。本書は、セピア調に変換された写真から元々あった色を抽出し、額の一辺にペイントされた《着彩された額》や、これから起きるかもしれない出来事が写された《事のもつれ》、5000年前の土器片を用いてつくられた《活性》などをはじめ、同美術館の空間を読み込んで展開されたインスタレーションを中心に豊富な図版を収録しています。また、美術評論家 中尾拓哉との対談や、伊藤貴弘や清水穰、中嶋実による寄稿などを掲載。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e作者の代表作を包括的に収録するとともに、磯谷博史の「認識の一貫性や統合的な時間感覚を揺さぶる静謐で詩的なインスタレーション」についてさまざまな角度から言及されたテキストも充実の一冊です。ブックデザインはグラフィックデザイナーの田中せりによるもの。サイン入。\u003c\/p\u003e\n\n\n\n\n\u003cp\u003e磯谷博史\u003cbr\u003e\n1978年東京都生まれ。美術家。東京藝術大学建築科を卒業後、同大学大学院先端芸術表現科および、ロンドン大学ゴールドスミスカレッジ、アソシエイトリサーチプログラムで美術を学ぶ。写真、彫刻、ドローイング、それらの相互の関わりを通して、事物への認識を再考している。2016～2018年、プロジェクトスペースstatements共同ディレクター。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 108\u003cbr\u003e\nSize: 240 x 180 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover, color\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eSigned by Isoya Hirofumi\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by 小海町高原美術館, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Koumi-machi Kougen Museum of Art","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750434390313,"sku":"1","price":3300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/FindYourVerb.jpg?v=1710166908"},{"product_id":"no-i-don-t-believe-it-zhong-xian","title":"No, I don’t believe it \/ Zhong Xian","description":"\u003cp\u003e台北を拠点に活動するアーティストZhong Xian（ゾン・シエン）の作品集。作家が制作した17のコマ割りアニメーションを収録。無作為に荒々しく重なりあうドローイングを、時に子どものような要素で繋ぎあわせ、示唆に富む物語が描かれています。本作「No,I don't believe it.」では、1000枚以上のコマ割りされたアニメーション画をさまざまな方法で再編集し、映像の向こうにある作家の魅力的な語り口を明らかにします。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e「私たちは実際に愛について話し合うことができるのだろうか？愛について語り始めると、もはや愛は存在しなくなる可能性はないのだろうか？全17章からなるオリジナルアニメーションの静止画の中で、「愛」は私たちが欲望や権力、文化などを拡張するための手法にすぎない。だから、私は信じない。」Zhong Xian\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nSize: 195 × 142 mm\u003cbr\u003e\nPages: 102\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nLimited edition of 500\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by wildflowerbookstore, 2019\u003c\/p\u003e","brand":"wildflowerbookstore","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750435373353,"sku":"1","price":3630.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/noidontbeleaveit.jpg?v=1710162237"},{"product_id":"the-most-beautiful-swiss-books-2022","title":"The Most Beautiful Swiss Books 2022","description":"\u003cp\u003e最も美しいスイスの本を選出するブックアワード「The Most Beautiful Swiss Books」2022年の受賞作をまとめた作品集。本書では、各受賞作の図版は本の表紙と裏表紙のみというストイックな構成ながら、各書籍の使用書体、用紙、印刷方法、印刷機、特殊加工、製本、発行部数など、製作過程が目に浮かぶような造本のディティールが詳細に記されています。また、本の内容とデザインの関係性について記した審査員による受賞作レビューも収録。2022年の最も美しく不可解な作品集のひとつ、アレイクス・プラドモント（Aleix Plademunt）の写真集「matter」のレビューほか、ブックデザインという枠組みの中で、このアワードの審査員たちがどのように本を読み、楽しんでいるのか、その視点も見ることができます。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e毎年デザインが変更される本カタログ、2022年版では、表紙、本文、見返し、製本、特殊加工など、各受賞作の素材や技術仕様からそれぞれひとつの要素を抽出し再構築。各書籍に用いられた要素に実際に触れながら作品群を読むことができます。これまで図版によって伝えられてきた仕様の部分において、余白のある触覚的な伝達を試みた造本も魅力的な一冊です。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 98\u003cbr\u003e\nSize: 210x290 mm\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\nGerman\/English\/French\/Italian\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Federal Office Of Culture Bern, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Federal Office Of Culture Bern","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750436389161,"sku":"1","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_e8e5fb10-e075-4524-9cd4-d20259905ab6.jpg?v=1711178374"},{"product_id":"proof-syndicat","title":"Proof \/ Syndicat","description":"\u003cp\u003eパリを拠点に活動するデザインスタジオ、シンディカ（Syndicat）による作品集。本書は、ISISのプロパガンダ映画のスクリーンショットをインターネット上から直接キャプチャしてまとめたビジュアルアーカイブ。2014年以降、彫刻やモニュメントなど文化史が崩壊し破壊される最中と、破壊された直後の瞬間を記録しています。本文用紙はあらかじめのどにミシン目加工が施され、読者が望めばページを破ることができる仕様となっています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eProof is a printed visual archive composed of video screenshots from ISIS propaganda films, captured directly from the Internet. It shows how, since 2014, cultural history was physically destroyed by special units ‘Kata’ib Taswiya’. Proof is a documentation of the last moments of those sculptures and monuments, during and just after their collapse and destructions. Technically the book operates like a pictorial cheque book and its pages are pre-cuted, allowing the readers to tear the pages if they want to.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 96\u003cbr\u003e\nSize: 215 × 287 mm\u003cbr\u003e\nhardcover, pre-cuted pages\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eConcept \u0026amp; design: Syndicat\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Editions Empire, 2018\u003c\/p\u003e","brand":"Editions Empire","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750436978985,"sku":"","price":4620.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_d8f8bccf-eb7f-4795-b5ea-47c3235a5252.jpg?v=1711177853"},{"product_id":"off-grid-sheila-hicks","title":"OFF GRID \/ Sheila Hicks","description":"\u003cp\u003eアメリカ人テキスタイルアーティスト、シェイラ・ヒックス（Sheila Hicks）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、2022年にイギリスの美術館「ヘップワース・ウェイクフィールド（Hepworth Wakefield）」で開催された初の大規模回顧展にあわせて刊行されたもの。繊維やテキスタイルを扱う代表的なアーティストの一人である作者による貴重な初期の作品をはじめ、会場にあわせて展開されたインスタレーションや、展示風景写真、作者のスケッチブックや写真など、豊富なアーカイブ資料を収録しています。また、同美術館を設計したデイビッド・チッパーフィールドとの対談ほか、テキストも充実した一冊です。印象的なブックデザインは、ロンドンのデザインスタジオ「A Practice for Everyday Life」が担当しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 176\u003cbr\u003eSize: 265 x 335 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by THE HEPWORTH WAKEFIELD, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"The Hepworth Wakefield","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750438060329,"sku":"1","price":7920.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/OFFGRID1.jpg?v=1709976266"},{"product_id":"exosphere-batia-suter","title":"Exosphere \/ Batia Suter","description":"\u003cp\u003e過去作『Parallel Encyclopedia』や『Hexamiles (Mont-Voisin) 』など、古いイメージを収集・再構築し、新たな意味と文脈に直感的に位置づける作品をつくるアーティスト、バティア・スーター（Batia Suter）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、果物、野菜、ヘッドフォン用緩衝材の複製を、収集した甲冑のイメージとともに散りばめたアーティストブック。この新しいプロジェクトは、ユーモラスかつ間接的に彫刻の基本へとアプローチしています。2022年、金沢を拠点に活動するKeijibanのキュレーションによってCAGE GALLERY（東京）で開催された展覧会「Exosphere」にあわせてつくられた一冊です。Keijibanとアムステルダムの出版社Roma Publicationsの共同出版によって刊行されています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtist's book with reproductions of protective packaging material for fruits, vegetables, and headphones, interspersed with collected images of armour. This new project deals in an unexpected and indirect way with the fundamentals of sculpture. The sense of a fossilized present offers a new perspective on Suter's phylogenetic approach to imagery and her appreciation of unintentional beauty. Design: Batia Suter \u0026amp; Roger Willems.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 136\u003cbr\u003eSize: 240 x 320 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolour \u0026amp; bw\u003cbr\u003eEnglish\u003cbr\u003eISBN 9789464460476\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Roma Publications, keijiban, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Roma Publications","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750438388009,"sku":"1","price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/Exosphere.jpg?v=1709975556"},{"product_id":"work-out-hikaru-ichijo","title":"WORK OUT \/ Hikaru Ichijo","description":"\u003cp\u003eイラストレーターの一乗ひかる（Hikaru Ichijo）による初作品集。キャリアをスタートした2019年から2023年の最新作まで、自身の展覧会を中心とした意欲的な自主制作の作品を集めて振り返り、記録しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eシルクスクリーンプリントの質感を活かしたデジタルでの作画と、無表情ながらも大胆なポーズ・構図・配色で人物の豊かな感情を表現する作家の軌跡を通覧できる貴重な一冊。近作の陶芸による作品も多数掲載しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e全ページフルカラー、イラストレーション図版120点以上、陶器・グッズ作品写真70点以上掲載の大ボリュームでお届けする、充実の一冊です。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 208\u003cbr\u003e\nSize: \u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by PINHOLE BOOKS, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"PINHOLE BOOKS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750439895337,"sku":"1","price":5500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/WORKOUT.jpg?v=1709909626"},{"product_id":"anni-albers-anni-albers","title":"ANNI ALBERS \/ Anni Albers","description":"\u003cp\u003e20世紀を代表するドイツ人テキスタイルアーティストであり版画家のアニ・アルバース（Anni Albers）による作品集。ロンドンの「テート・モダン（Tate Modern）」で開催された展覧会に伴い刊行された。20世紀のアートとデザインに多大な貢献をした作者を再解釈しうる一冊であり、バウハウスでの初期の活動と、ブラック・マウンテン・カレッジで教鞭を執っていた時期を文脈として含みながら、壁掛け作品、商業用デザイン、下絵、ジュエリー、プリント作品などのセレクションを包括的に紹介する。織物職人としての技術、素材に対する認識、芸術とデザインに対する鋭い感覚を幅広く見ることができ、その果てしない創造性を称える内容となっている。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eThis ground-breaking book redefines Albers’s outstanding contribution to twentieth-century art and design. Contextualising her early career at the Bauhaus, and her teaching years at Black Mountain College, it showcases major commissioned works, wall hangings, designs for commercial use, preparatory drawings, jewellery designed and made by Albers and a selection of her prints. A series of short texts from a range of experts focus on key works and themes. Illuminating Albers’s skill as a weaver, her material awareness and acute understanding of art and design, this much-needed publication is a celebration of one of the most influential artists of the twentieth century, and her endless creativity.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 192\u003cbr\u003e\nSize: 210 x 265 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by TATE PUBLISHING, 2018\u003c\/p\u003e","brand":"Tate Publishing","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750439960873,"sku":"","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/annialbers.jpg?v=1709909523"},{"product_id":"failed-it-erik-kessels","title":"FAILED IT! \/ Erik Kessels","description":"\u003cp\u003eオランダ生まれ、アムステルダムを拠点に、デザイナーでありキュレーター、アーティストとして活躍するエリック・ケッセルス（Erik Kessels）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e本書は、ケッセルスが個人的に収集したアート作品や拾った写真から抜粋した150以上のイメージをまとめたもの。「失敗」を祝福するためのヒント、引用、逸話、アイデアを収録。失敗すること自体の楽しさと大切さ、不完全さを称賛し、それらがなぜ創造的プロセスに不可欠なものなのかを、ユーモラスな収集と編集で読者に教えてくれます。表紙と裏表紙をかけ違えたカバーデザインも含めて、一冊を通して失敗の素晴らしさと愛嬌を称えてくれる作品集です。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eA fun and fabulous take on the art of making mistakes. Erik Kessels celebrates imperfection and failure and shows why they are an essential part of the creative process.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eIt includes over 150 visual examples drawn from Kessels personal collection of artworks and found photographs, along with tips, quotes, anecdotes and wisdom for celebrating with failure. To quote Kessels: 'the ubiquity of Apple + Z, means that we can literally undo any mistake before it has had time to breathe, be considered and — perhaps — evolve into something else: a fascinating, strange, provocative or even original piece of work. This book asks readers to embrace their fuck-ups, learn from them and celebrate their tawdry glory'.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 168\u003cbr\u003e\nSize: 178 × 120 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nISBN: 9780714871196\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Phaidon, 2016(2023)\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750440354089,"sku":"","price":2970.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/failedit.jpg?v=1709909467"},{"product_id":"enzo-mari-drawings-enzo-mari","title":"ENZO MARI: DRAWINGS \/ Enzo Mari","description":"\u003cp\u003eイタリア人アーティストでありデザイン界の巨匠、エンツォ・マーリ（Enzo Mari）の作品集。2022年にイタリア・ブレシアのギャラリー「Galleria Massimo Minini」で開催された展覧会に伴い刊行されたもの。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「ボックスチェア（BOX CHAIR）」や「ソフソフ（sof sof）」をはじめとした名作椅子など、モダニスト・インダストリアル家具のデザインで著名な作者は、アート分野でも様々な媒体で幅広い作品を発表しています。本書は、1950年代から70年代に制作された作品を中心に、ドローイングや版画、彫刻作品をまとめて紹介したもの。作者は、特に時間の流れを内包した作品に興味を持ち、それらを視覚的に表現するモデルシリーズを制作しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eイタリア人ギャラリスト、マッシモ・ミニニ（Massimo Minini）、イギリス人プロダクトデザイナー、ジャスパー・モリソン（Jasper Morrison）、イタリア人美術史家、イリーナ・ズッカ・アレッサンドレッリ（Irina Zucca Alessandrelli）によるテキストも収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe late Italian artist and writer Enzo Mari (1932–2020) is perhaps most famed for his modernist and industrial furniture designs, such as the box chair and the “sof sof” chair, but he produced an expansive oeuvre in art across various mediums. This catalog, published for an exhibition at Galleria Massimo Minini, gathers the artist’s drawings, prints and sculptures. The works in the volume embody the fruits of Mari’s research into “programmed” or “algorithmic” art; he was especially interested in creating works that could be enjoyed diachronically. To that end, he created a series of models consisting of a programmed combination of prefabricated module elements; these sequences visually represent the passage of time. Mari’s extraordinarily methodical, intellectually rigorous approach to all of his work translates exquisitely to his art.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 208\u003cbr\u003eSize: 200 x 260 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by SILVANA EDITORIALE, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Silvana Editoriale","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750440386857,"sku":"1","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/enzomari.jpg?v=1709909392"},{"product_id":"李禹煥-lee-ufan","title":"李禹煥 Lee Ufan","description":"\u003cp\u003e「もの派」を代表する美術家 李禹煥(Lee Ufan)の作品集。2022年に国立新美術館、兵庫県立美術館で開催された展覧会「李禹煥」にあわせて刊行された展覧会図録です。60年代の初期作品から、1970年にバーネット・ニューマンの作品を観たことをきっかけに取り組むようになった絵画作品、彫刻の概念を変えた〈関係項〉シリーズまで、60年代から現在に至るまでの豊富な作品を網羅しています。また、本人による論考や、〈関係項〉シリーズのスケッチなども収録。回顧展の図録ならではの充実の一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 304\u003cbr\u003eSize: 210x297 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by HEIBONSHA, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"Heibonsha","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750441632041,"sku":null,"price":3630.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/leeufan.jpg?v=1709908436"},{"product_id":"sandwich-kohei-nawa-signed","title":"SANDWICH \/ Kohei Nawa [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e日本人彫刻家である名和晃平の作品集。作者が主宰するクリエイティブ・プラットフォーム「Sandwich」は、サンドイッチ製造工場をリノベーションした建物を拠点と して、2009年に京都・伏見で活動を開始した。ここは、作品制作やプロジェクト進行を担うスタッフが集うスタジオ／オフィスであるのみならず、素材の可能性を実験するためのラボであり、必要な機器や道具を開発する工場であり、制作プロセスに関わる各地の工房とつながるハブであり、学生とアートの現場を繋ぐ実践的な教育システムであり、国内外からのアーティストやゲストが訪れるレジデンスでもある。作者の活動領域が一般的な彫刻家の範疇をはるかに超えて、建築、インテリア、舞台美術、デザイン、ファッション、ダンスパフォーマンスと領域をまたいでいくように、「Sandwich」は、数多のモノ・コト・ヒトの流動によって絶え間なく刺激され、成長・増殖を続けている。 京都の都市部から離れた田園風景の中にあり、すぐ傍には宇治川がたおやかに流れるこの地で、作者と「Sandwich」は数えきれないほどの作品を生み出してきた。その活動は到底1冊で語り尽くせるものではないが、そこに流れる創作のための濃密な時間と空気の一端を伝えることは可能かもしれない。本書に記述、記録されるのは、「Sandwich」が現代美術の領域を超えて、人、街、社会、ひいては世界に影響を与えてきた活動の断片である。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e作者と旧知の仲であり、「Sandwich」をよく知る、ニューヨークを拠点に活動するミュージアム・ディレクター、ライター、キュレータのブレット・リットマン（Brett Littman）、日本人インディペンデントキュレーター、ライターの大坂紘一郎、タイを拠点にさまざまなメディアで執筆・活動を展開するアーティストのプラープダー・ユン（Prabda Yoon）による寄稿文と、10年近く協働を続けるフランス系ベルギー人の振付家／ダンサーであるダミアン・ジャレ（Damien Jalet）のインタビューを収録。作者と4人が育んできた友情があるからこそ紡がれる言葉は、パーソナルな部分に言及しながらも客体としての作者とSandwichの本質を紐解いている。また、2009年から14年間の活動の変遷を俯瞰的に論じ、作者とSandwichがアートシーンに与えてきた影響やその国内外における独自性といった、これまで言語化されることがなかった側面を取りあげている。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e陽が昇り、月が昇り、また陽が昇る。\u003cbr\u003e\nその淡々とした繰り返しのあらゆる瞬間に、Sandwichの営みは散らばっている。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eそれらを集めて眺めてみた時、そこにはどんな1日が広がっているのだろうか?\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 290\u003cbr\u003e\nSize: 260 x 357 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eSIGNED BY KOHEI NAWA\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by SANDWICH INC., 2023\u003c\/p\u003e","brand":"SANDWICH INC.","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750444253481,"sku":"1","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/SANDWICH.jpg?v=1709868960"},{"product_id":"the-archive-of-dark-kirstine-roepstorff","title":"THE ARCHIVE OF DARK \/ Kirstine Roepstorff","description":"\u003cp\u003eデンマーク人アーティスト、キアスティーネ・レープストーフ（Kirstine Roepstorff）の作品集。大仕掛けのショー、劇場、多次元データ。周期的な作品に対する憧れから、言葉と形のないものをかけ合わせる試み。この融合を実現するためのステージ。人の成長とは、上に向かっていくことのみではないことを思い出させてくれること。光から闇を、喜びから痛みを、受動から能動を切り離しているように見える多孔質の膜は、我々が鏡の反対側から自分自身を観察する機会を得た途端、重要ではなくなる。本作は、『Influenza, Theatre of Glowing Darkness』（2017）と、『Renaissance of the Night』（2018）という、独立しつつも一貫性を持つ2つの展覧会を含む、暗闇を深く探る作品のエピローグとして制作された一冊。歴史上のイメージを蒐集した濃密なコレクションを、有機的かつ感情に訴えかけてくる物語として織りなしている。本書は、知覚的、知的、精神的、科学的、芸術的な考察を含んだ多様な寄稿も掲載されている。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e*表紙は4種類、ランダムでのお届けとなります\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 304\u003cbr\u003eSize: 215x300 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003elimited edition of 1,000 copies\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ewinner of the Tokyo TDC Annual Awards 2023 - the Book Design Prize (Book Design Category for OK-RM)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by IN OTHER WORDS, 2021\u003c\/p\u003e","brand":"InOtherWords","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750444613929,"sku":"","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/thearchiveofdark_top.jpg?v=1709825377"},{"product_id":"day-after-day-ronan-bouroullec","title":"Day After Day \/ Ronan Bouroullec","description":"\u003cp\u003eフランス出身のアーティストでありデザイナー、ロナン・ブルレック（Ronan Bouroullec）の作品集。30年にわたるキャリアの中で、作者は写真を使ってそのプロセスを記録し、独自の視点を伝え、その膨大なアーカイブを蓄積してきました。本書は、そのアーカイブから2014年から2022年にかけて記録された約3,000枚に及ぶイメージを年代順にまとめ収録したもの。HAYやVitra、Artekなどとの協働でつくられたプロダクトの数々や、作者の象徴的なドローイング、スタジオでのスナップ写真、制作過程のスケッチなど、アーティストのビジュアル日記のようであり、同時に作者の作品を包括的にまとめた作品集です。キャプションは英語・フランス語。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eA stunning and inspiring visual inventory from one the most creative and popular designers working today\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eFrench designer Ronan Bouroullec works at the very forefront of design. Over his 30-year career he has used photography to document his process and communicate his unique perspective, amassing a vast archive of images in the process. He shares these images on Instagram, where he has a huge and loyal following. Thousands of images from the archive have been chronologically sequenced to illustrate his work and life in a fresh, new way.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePart visual diary, part catalog of his work, and with captions in both English and French, Ronan Bouroullec: Day After Day presents these images to a wider readership and offers an intimate and fascinating look into his life, vision, and creative process, offering a unique and vibrant insight into the work, perspective, and creative process of one of the most celebrated and creative design minds working today.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 456 pp\u003cbr\u003e\nSize: 290 × 250 mm \u003cbr\u003e\nhardcover, color\u003cbr\u003e\nISBN: 9781838666897\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Phaidon, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Phaidon","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750445105449,"sku":"","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/dayafterday.jpg?v=1716111174"},{"product_id":"not-to-be-sold-for-more-than-100-sol-lewitt","title":"NOT TO BE SOLD FOR MORE THAN $100 \/ Sol LeWitt","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）の作品集。1971年から1979年頃までに制作した、切り刻む、折りたたむ、破る、という行為によってつくられた「Rドローイング」シリーズをまとめた一冊です。当時作者の作品は数千ドルで販売されていたため、誰もが購入できる作品を作りたかったという作者は、本シリーズを常に100ドルで販売することを意図して制作。商業主義が蔓延る現代美術界において、作者が込めた意図と先見性は、今日、より人々に響くものとなっています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書には先述の行為が施された紙の作品が800点以上収録されており、その素材には地図や、複製作品や加工された銀塩写真も含まれます。世界中の個人および公的コレクションを徹底的に探し、カラー図版は100枚以上を掲載。また、キュレーターのヴェロニカ・ロバーツ（Veronica Roberts）がスタジオで発見した作者の日記や日々の記録から得た情報や、全870点におよぶ既知の作品のインデックスと解説も収録しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 240\u003cbr\u003eSize: 250 x 330 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by RADIUS BOOKS, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"Radius Books","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750445203753,"sku":"1","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img2_89b1bf16-ec31-484b-81de-a9b6eca28e2b.jpg?v=1709824984"},{"product_id":"katz-alex-katz-vincent-katz","title":"KATZ \/ Alex Katz, Vincent Katz","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティスト、アレックス・カッツ（Alex Katz）と、その息子で詩人のヴィンセント・カッツ（Vincent Katz）による作品集。イタリア人アーティストであるエンツォ・クッキ（Enzo Cucchi）が編集を手がける本書は、アレックス・カッツのドローイングに加え、ヴィンセント・カッツによる文章を収録しています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e妻エイダのポートレートや、身体のスケッチ、少ない要素で描かれた遠景など、本書に収録されるドローイングは全て、ペインティングのためのスケッチや習作をリソグラフでプリントしたもの。差し込まれた2つの小さなページでは、表は木版印刷によって父子2人のカッツのポートレートがプリントされ、裏にはエンツォ・クッキに捧げた1作を含むヴィンセント・カッツによる2編の詩が収録されています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\n\n\u003cp\u003eThis publication, edited by Enzo Cucchi, gathers drawings by Alex Katz and words by his son Vincent. It is a project that takes shape through the intimate relationship between the three subjects.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eAll the drawings from this publication are risograph printings of both original sketches for paintings and the artist's exercises. Two smaller inserts present, on the front, woodcuts showing portraits of two Katz, father and son, conceived by Enzo Cucchi, and on the back two poems by Vincent Katz, one of which is dedicated to Enzo Cucchi.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 92\u003cbr\u003e\nSize: 195 x 280 mm\u003cbr\u003e\nhardcover\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by NERO EDITIONS, 2017\u003c\/p\u003e","brand":"NERO Editions","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750445269289,"sku":"1","price":6050.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/KATZ.jpg?v=1709824877"},{"product_id":"drawing-together-hans-ulrich-obrist-hilar-stadler-david-glanzmann","title":"DRAWING TOGETHER \/ Hans Ulrich Obrist, Hilar Stadler, David Glanzmann","description":"\u003cp\u003eシュルレアリストがかつて遊んでいた、紙を折って数名で絵を描くゲーム「優美な屍骸（Cadavre exquis）」。前者が描いたパーツを見ずに絵をつなぎ描いていくこの遊びを、キュレーター ハンス・ウルリッヒ・オブリスト（Hans Ulrich Obrist）が名だたるアーティストたちに参加してもらい収集。ヴァージル・アブロー（Virgil Abloh）とレム・コールハース（Rem Koolhaas）、マルレーネ・デュマス（Marlene Dumas）による共作をはじめ、ダン・グラハム（Dan Graham）やゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）、ピピロッティ・リスト（Pipilotti Rist）、妹島和世、石上純也など、ゲームだからこそ成立し得た約200作品が収録されています。キュレーターとして、アーティストだけに止まらず、建築家、デザイナー、思想家、科学者など、他ジャンルや社会との接続を常に取り組んできたオブリストの思想が色濃く反映されながら、ゲームによってつくられたユニークな落書き集という軽やかさが美しい一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 224\u003cbr\u003eSize: 230x310 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003eblack and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by EDITION MODERNE, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"EDITION MODERNE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750446874921,"sku":"1","price":7480.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/drawingtogether_2.jpg?v=1709824569"},{"product_id":"bananajam","title":"バナナジャムの瓶の蓋が開かなかったので、お母さんが別のバナナジャムに替えてくれて、お父さんに瓶の蓋を開けてもらって、みんなでクレープにバナナジャムをつけて食べました。 \/ 中山和也","description":"\u003cp\u003e美術作家、中山和也は2022年の8、9月を、ある古物商と同行し、ヨーロッパに滞在しました。バンにすし詰めになりながら都市を移動し、フランスほか各地でのマーケットやリサイクルショップ、ベンダーからの買付に立会い、そして古物が集積した状況――家具やカトラリーや置物や洋服らが一同に並べられたその様子――に、「大きな家」を見ました。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、買い付けの先々に居合わせた人らを撮影したポートレート集です。「大きな家」にいた彼らに、購入した古物を使って、自宅のような振る舞いを演じるよう依頼します。しかし、当然うまくいきません。買い物中の、あるいは仕事中の彼らにとって、東洋人からの妙で、言語的な隔たりを感じるお願いに戸惑いを示し、度々、緊張や拒絶が生まれました。そうした感情の現れとして、本書にはブレを起こしている写真や、緊張の色が強く出ている表情があります。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「あなたの写真を撮りたいのですが、自宅のように振る舞ってほしく……」と伝え、居心地の悪いのは、中山自身にとっても同じです。ところが撮影を終え、お互いにとって災難な状況からの復帰によって、彼は現地の人々と驚くほど柔らかい表情で打ち解けることができたそうです。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、繰り返された緊張と緩和の途中、緩和が訪れる少し前の瞬間の作品集と言えるかもしれません。アート、あるいは作品制作の名の元に行われた、いささか歪なコミュニケーションでもってして当地と特別な関係を結んだ中山の、まだ、にがい瞬間のアルバムでもあります。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e中山和也\u003cbr\u003e千葉県生まれ。アジア、ヨーロッパを拠点に活動。\u003cbr\u003eあらかじめ作品を用意することはせず、今ここで起きていることに焦点を当て、読み取った感覚を直截に視覚化する。展示に立ち現れるのは、ありえない状況での恋人たちの予期せぬ出会いや、遅刻、森の斜面に転がる夏みかんなど。状況に対して初動を起こし、そうしてそこに起こる動作や結果を作品として提示する。\u003cbr\u003erassiereronne.be\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe banana jam jar lid could not be opened, so mom switched to another banana jam jar and asked dad to open the lid on that one, we all ate crepe with this banana jam on it.\u003cbr\u003e―Kazuya Nakayama\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 224 pages\u003cbr\u003eSize: 148 x 210 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, b\u0026amp;w\u003cbr\u003eFirst edition of 500 copies\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesigned by Yuta Murao (well) \u003cbr\u003eEdited by Jun Asami (well), Keijiro Nagamine \u003cbr\u003ePublished by well, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"well","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750447137065,"sku":"1","price":6600.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_426900f7-785e-4943-a9c2-c7ef4cc1a291.jpg?v=1709824416"},{"product_id":"beau-geste-press","title":"BEAU GESTE PRESS","description":"\u003cp\u003e1971年から1976年にかけて、視覚詩、ネオ・ダダ、フルクサスなどに属する国際的なアーティストの出版物を刊行したインディペンデント出版社ボー・ジェスト・プレス（BGP）。本書は、BGPによってつくられたすべての印刷物を収録し、その活動を豊富な図版を通して400ページ超のボリュームでまとめています。批評的なエッセイや作業方法（制作の経済性と自律性、郵送による書籍の流通）を探求し、DIYの精神に基づき「制作・複製・印刷・流通」を全て自ら行ったBGP。短い活動期間ながら、限定版のアーティスト・ブックを専門に出版しその世代で国際的な影響を与えた出版活動の記録をまとめた一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBeau Geste Press was active until 1976, printing publications by visual poets, neo-Dadaists and international artists affiliated with the Fluxus movement. Specialising in limited-edition artists' books, it published the work of its own members, but also that of many of their colleagues worldwide. In the spirit of cottage industry, Beau Geste Press adapted its methods and scale of production to its needs, keeping all stages, from design and printing to distribution, under the same—bucolic—roof. Although it operated from the periphery of the main artistic centres of its time, Beau Geste Press was undoubtedly one of the most productive and influential publishing ventures of its generation.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 472\u003cbr\u003eSize: 230 × 285 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003eEnglish, French\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by CAPC, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750447726889,"sku":"1","price":13200.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_9b46f43b-3612-4554-9433-64701864f47b.jpg?v=1709823888"},{"product_id":"minimal-art-from-the-marzona-collection","title":"MINIMAL ART: FROM THE MARZONA COLLECTION","description":"\u003cp\u003eイギリスのギャラリー「Galerie Thaddaeus Ropac」で開催された、世界で最も重要なコレクションのひとつ「マルゾナ・コレクション」に収蔵されているアメリカのコンセプチュアル・アートとミニマル・アートに関する展覧会に伴い刊行された作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eカール・アンドレ（Carl Andre）、ダン・フレイヴィン（Dan Flavin）、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）、リー・ロザーノ（Lee Lozano）、ロバート・ライマン（Robert Ryman）、フレッド・サンドバック（Fred Sandback）、リチャード・セラ（Richard Serra）、リチャード・タトル（Richard Tuttle）などの主要作品が勢ぞろいした一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e抽象表現主義がアメリカの抽象芸術として認識され全盛を誇っていた時代に、独自のビジョンを持つアーティストたちは、絵画的な要素やアーティストの主観を排除するアプローチを取り入れていた。これらのミニマル派のアーティストたちは、鑑賞者がかたちや色、空間、素材の本質に集中できるように、作品から表現や物語、象徴的な解釈を取り除いた。さらに彼らは、鑑賞者が作品と直接的な関係を持つことができるように、シンプルな幾何学的なかたちや工業的な素材を多用し、独自の絵画言語を作り上げていった。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 96\u003cbr\u003eSize: 198 x 267 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by GALERIE THADDAEUS ROPAC, 2018\u003c\/p\u003e","brand":"Galerie Thaddaeus Ropac","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750447956265,"sku":"1","price":9350.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_9e4d3398-2011-4536-87fe-91e9afc39cb3.jpg?v=1709823831"},{"product_id":"chinati-the-vision-of-donald-judd-second-edition","title":"CHINATI: THE VISION OF DONALD JUDD [SECOND EDITION]","description":"\u003cp\u003eアーティストによる大型インスタレーション作品の恒久展示を理念とし、アメリカ人アーティスト、ドナルド・ジャッド（Donald Judd）によって1986年にテキサス州のマーファに設立された現代美術館「チナティ・ファンデーション」について包括的にまとめた作品集。チナティ・ファンデーションの歴史や建築について豊富な図版で紹介しながら、ドナルド・ジャッドのほか、カール・アンドレ、ロニ・ホーンなど同館の収蔵作品を総合的にまとめたカタログでもあり、また本書はチナティ・ファンデーションのみを対象とした唯一の書籍となり、研究者や学生、美術館を訪れる人たちにとって重要な資料となっています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e2010年にチナティ・ファンデーションと「Yale University Press」が共同で出版した本書を、現館長のマリアンヌ・ストックブランド（Marianne Stockebrand）が編集・執筆し、カバー写真も新たに新装版として2020年に刊行した第二版。同財団の特別展、アーティスト・イン・レジデンス・プログラムなどの活動に関する資料を掲載し、初版が刊行された後の約10年間の記録が反映されています。2020年3月にニューヨーク近代美術館（MoMA）で開催されたドナルド・ジャッドの回顧展に伴い刊行された一冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e掲載作家：Donald Judd, John Chamberlain, Roni Horn, David Rabinowitch, Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen, Richard Long, Ingólfur Arnarsson, Ilya Kabakov, Carl Andre, Robert Irwin, Dan Flavin, John Wesley, and others.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSpring 2020 saw the publication of a new edition of Chinati: The Vision of Donald Judd, edited and principally written by director emerita Marianne Stockebrand, originally co-published in 2010 by Chinati and Yale University Press. This comprehensive history of the museum and catalogue of the collection is the only volume dedicated exclusively to the Chinati Foundation, and is a principal resource for scholars, students, and visitors to the museum. The second edition of Chinati: The Vision of Donald Judd includes a new chapter on Robert Irwin’s permanent installation untitled (dawn to dusk), which was added to the collection in 2016. The volume’s back matter—artist bibliographies and materials related to Chinati’s special exhibitions, the artist in residence program, and other activities—has been updated to reflect the nearly ten years between the book’s original publication and the second edition. Chinati director Jenny Moore has contributed a new preface to this edition, which is co-published by the Chinati Foundation, Yale University Press, and Hatje Cantz. This is an ideal moment for an updated second edition of this indispensable volume—published to coincide with the March 2020 opening of the Donald Judd retrospective at the Museum of Modern Art.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 352\u003cbr\u003eSize: 245 x 293 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003eSECOND EDITION\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by CHINATI FOUNDATION, YALE UNIVERSITY PRESS, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"Chinati Foundation","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750448546089,"sku":"1","price":12650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_de7f174b-e7de-44f6-b538-1206e024a53f.jpg?v=1709823651"},{"product_id":"noguchi-and-greece-greece-and-noguchi-isamu-noguchi","title":"NOGUCHI AND GREECE, GREECE AND NOGUCHI \/ Isamu Noguchi","description":"\u003cp\u003eロサンゼルス生まれの日系アメリカ人アーティスト、イサム・ノグチ（Isamu Noguchi）の作品集。作者とギリシャの間における不朽の関係を探る2冊組のアーカイブ・カタログ。作者の作品におけるギリシャ文化の影響や、複数の文化、職人、様々なメディアと交わることで確立された変性的なアイデンティティを考察します。作者の代表的な作品をはじめ、未公開のものを含む手紙や写真、スケッチを収録し、作者本人の言葉がギリシャと作者の親密な関係性を明らかにしています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eそのほか、未来派の思想家、デザイナー、構造家、建築家、発明家、詩人であるバックミンスター・フラー（Buckminster Fuller）や、ダンサーでありコレオグラファーのマーサ・グレアム（Martha Graham）など、作者のコミュニティと共にする豊かな共作の作品を探り、現代のデザインとアートに関する作者の不滅の遺産を解釈し直した新たなテキストを収録。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eギリシャとニューヨークを拠点とするデザインスタジオ「Objects of Common Interest」と「イサム・ノグチ美術館（Noguchi Museum）」によって行われたリサーチ・展示プロジェクトの成果として刊行された一冊です。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eA two-volume archival excavation of Noguchi’s enduring relationship with Greece.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eNoguchi and Greece, Greece and Noguchi examines the relationship between one of the 20th century’s most celebrated artists, Isamu Noguchi (1904–88), and the Mediterranean country he regularly visited for decades through the lens of Objects of Common Interest (OoCI). This two-volume set considers the influence of Greek culture on Noguchi’s work, and the metamorphosing identity he established from engaging with multiple cultures, diverse practitioners and a variety of mediums.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eLetters, photographs, sketches and words from the artist himself—some never seen before now—reveal the intimate relationship Noguchi had with Greece. New writings explore the Japanese American interdisciplinarian’s creative community, including futurist Buckminster Fuller and choreographer Martha Graham; while contemporary visual essays reinterpret Noguchi’s enduring legacy across today’s design and art practices.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eNew texts delve into Noguchi’s fruitful collaborations with his creative community, including futurist architect Buckminster Fuller and choreographer Martha Graham, and reinterprets Noguchi’s enduring legacy across today’s design and art practices. Featured texts provided by Diane Apostolos-Cappadona, Hsiao-Yun Chu, Dakin Hart, Noguchi, Fuller, Jannis Varelas, Dr Nicholas Paissios and Katerina Koskina. Visual responses to OoCI’s work, in conversation with Noguchi’s ever-evolving practice, come from photographers Marco Arguello, Iwan Baan, Yiannis Bournias, Lauren Coleman, Brian W Ferry, Adrianna Glaviano, Brooke Holmes, Naho Kubota, Mathjis Labadie, Jana Romanova, Omar Sator, Matthieu Salvaing and Stefanos Tsakiris.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eNoguchi and Greece, Greece and Noguchi is an extension of a research and exhibition project initiated by OoCI with the Noguchi Museum in New York.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 320\u003cbr\u003e\nSize: 178 x 241 mm\u003cbr\u003e\n2 softcovers in a slipcase\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by ATELIER ÉDITIONS, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Atelier Éditions","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750452740393,"sku":"","price":10450.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/img_7da643b5-3ad0-472e-8516-4cc72e8fe465.jpg?v=1709822712"},{"product_id":"クリスチャン-マークレー-トランスレーティング-翻訳する","title":"クリスチャン・マークレー トランスレーティング [翻訳する]","description":"\u003cp\u003e現代美術と音楽を繋ぐ、革新的な活動をつづけてきたアーティスト、クリスチャン・マークレー。日本初の大規模個展開催にあわせて編集された、資料的価値の高い一冊。デザインは米山菜津子。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eクリスチャン・マークレー（1955-）は、70年代末のニューヨークでターンテーブルを使ったパフォーマンスで音の実験を始めて以来、前衛的な音楽シーンの重要人物として活躍してきた。一方で、視覚的な情報としての音や、現代社会において音楽がどのように表象され、物質化され、商品化されているかといったテーマに焦点を当てた活動により、現代美術と音楽を繋ぐ、最も人気があり影響力を持った作家とみなされてきた。レコードやCD、コミック、映画、写真など、幅広いファウンドメディアを再利用しつつ、マークレーはパフォーマンス、コラージュ、インスタレーション、ペインティング、写真、映像などの数多くの領域で作品を生み出している。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e東京都現代美術館「クリスチャン・マークレー トランスレーティング［翻訳する］」では、そうした彼の多様で折衷的な実践を辿る。コンセプチュアル・アートやパンク・ミュージックに影響を受けた初期作品から、イメージと音の情報で構成した大規模なインスタレーション、さらには現代社会に蔓延する不安を映し出した最新作まで、その多岐にわたる活動の全貌を紹介する。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e◉インスタレーションビュー・パフォーマンス写真を含む図版、160ページ\u003cbr\u003e◉マークレーとの鮮烈な出会いを描いた大友良英のエッセイ、マークレーの本質をあばきだす中川克志による論考など、充実の書き下ろしテキスト\u003cbr\u003e◉過去のインタビュー・論考の初邦訳（デイヴィッド・トゥープ、ダグラス・カーン、刀根康尚ほか）\u003cbr\u003e◉研究者必見の資料：展覧会歴、パフォーマンス歴、参考文献、ディスコグラフィー\u003cbr\u003e◉日本での活動を追ったアーカイブ。当時のパフォーマンス写真、プライベートフォト、フライヤーも掲載\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 400\u003cbr\u003eSize: 185 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesign: Natsuko Yoneyama\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Sayusha, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"SAYUSHA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750452838697,"sku":"","price":3960.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/translating.jpg?v=1709822640"},{"product_id":"oh-mountain-中村翔大","title":"OH MOUNTAIN!! \/ 中村翔大","description":"2015年に\u0026lt;FUJITA\u0026gt;初の刊行書籍としてリリースされた、画家・中村翔大の作品集。ギャラリートラックス開催された展示にあわせて刊行されたもの。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePages: 75\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSize: 170×236 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003esoftcover\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ecolor\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished by FUJITA, 2015\u003cbr\u003e\u003cfujita\u003e初の刊行書籍としてリリースされた、画家・中村翔大の作品集。ギャラリートラックス開催された展示にあわせて刊行されたもの。\n\n\n-\nPages: 75\nSize: 170×236 mm\nsoftcover\ncolor\n\n\nPublished by FUJITA, 2015\u003c\/fujita\u003e","brand":"FUJITA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750454542633,"sku":"","price":2530.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ohmountain.jpg?v=1709821422"},{"product_id":"macguffin-13-the-letter","title":"Macguffin 13: The Letter","description":"\u003cp\u003e文化、歴史、デザイン、芸術など、様々な領域を横断しながら毎号一つのオブジェクトを特集するオランダの雑誌『MacGuffin』。No.13, Winter 2023\/2024のテーマは「The Letter」。便箋としての手紙にとどまらず、スクラブルの歴史、落書きの受容、人間がどのように文字を行うか、抗議文の文化、ミームの意味、西洋書体の支配に抵抗するタイポグラフィ、フランス語の狭い二値性、左利きの経験など、さまざまな視点から「Letter」の過去と現在を紐解きます。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e‘The Letter’ does not relate to the alphabet alone but to language, to code, to gestures, to media, and more. The letter is a magical symbol, and at the same time a very ordinary thing. It is embedded in specific culture and dependent on the reproduction technologies available at the time. The context is what makes it interesting: the letter is created, used, discarded, forgotten, and (sometimes) revived. Find out about the history of Scrabble, embracing graffiti, how humans perform letters, the culture of protest letters, the meaning of memes, typography that resists the domination of Western typefaces, the narrow binarity of the French language, the left-handed experience, and more.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 224\u003cbr\u003e\nSize: 210 x 280 mm\u003cbr\u003e\ncolor \u0026amp; bw\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Macguffin, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Macguffin","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750454804777,"sku":"1","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/macguffin13.jpg?v=1709821150"},{"product_id":"dictionary-anne-geene-arjan-de-nooy","title":"Dictionary \/ Anne Geene \u0026 Arjan de Nooy","description":"\u003cp\u003eオランダのアーティスト、アンネ・ジーネ（Anne Geene）とアルヤン・デ・ノーイ（Arjan De Nooy）の作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e文脈を変えることで、写真は必然的に新しい意味を獲得します。本作『Dictionary』では、二人の作家は最もよく使われる200の英単語のリストと、彼らのアーカイブから無作為に選んだ200の画像を組み合わせました。それぞれのページには、単語と写真がランダムで対になって配置されています。また、写真と単語の間にはミシン目が入っており、読者はすべての単語と写真を入れ替え、それぞれを新たに繋げることができます。イメージはどのような文脈でも意味を持ちうるという二人のマニフェストが形になった一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBy varying their context, photographs inevitably gain new meanings. To create ‘Dictionary’, Anne Geene teamed up with fellow Dutch photographer Arjan de Nooy to combine a list of the 200 most commonly used English words with 200 “random” images from their archives. On each right-hand page, a word is randomly paired with a photograph. The pages are then perforated between the picture and the word, giving the reader the ability to link every word with every picture, thus opening up myriad possibilities for visual and linguistic interpretation. The book is a manifestation of Geene and De Nooy’s conviction that an image can assume a meaning in any context.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 400\u003cbr\u003eSize: 120 x 160 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr\u003eEnglish\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Blind Finch Books, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Blind Finch Books","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750455230761,"sku":null,"price":5720.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/dictionary.jpg?v=1709821023"},{"product_id":"art-project-a-history","title":"Art \u0026 Project A History","description":"\u003cp\u003e*輸入時に発生した軽微なダメージがあります。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eオランダ内外の現代美術の発展に極めて重要な役割を果たしたアムステルダムのギャラリー・アート＆プロジェクト（Art \u0026amp; Project）の歴史を包括的にまとめた作品集。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e同ギャラリーは、1968年から2001年にかけて、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）や河原温（On Kawara）、カール・アンドレ（Carl Andre）、ジョン・バルデッサリ（John Baldessari）、ヤン・ディベッツ（Jan Dibbets）、ギルバート\u0026amp;ジョージ（Gilbert \u0026amp; George）、エド・ルシェ（Ed Ruscha）、トニー・クラッグ（Tony Cragg）など、国内外のアーティストの先駆的な作品を紹介。1968年より発行していた会報誌『bulletin』は、展覧会の告知物であったと同時に、アーティストのコンセプチュアルなアイデアを盛り込んだ実験的な作品としても機能しています。本書は、アート＆プロジェクトに関する広範なリサーチと未発表のビジュアル資料に基づき、その前衛的な活動と展覧会、刊行物など、オランダ内外にとって重要な歴史と影響力について500ページ超のボリュームで記録した大冊。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e緻密で遊び心のあるブックデザインはアムステルダムを拠点とするデザインスタジオ・ハラー・ブラン(Haller Brun)、翻訳をインアザーワーズ（InOtherWords）が手がけています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eThe Amsterdam gallery Art \u0026amp; Project (1968–2001) was pivotal to the evolution of contemporary art in the Netherlands and beyond. It presented a pioneering programme of work by national and international artists, including Charlotte Posenenske, Jan Dibbets, Gilbert \u0026amp; George, Stanley Brouwn, and Sol LeWitt. To advertise its shows, more than 150 bulletins were published by the gallery, which quickly became an experimental medium, incorporating the conceptual ideas of the artists and even functioning as works of art themselves. Based on extensive research and previously unpublished visual material, this large volume documents the history and influence of the Art \u0026amp; Project gallery. Book design: Haller Brun.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 512\u003cbr\u003eSize: 210 x 300 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor \u0026amp; bw\u003cbr\u003eDutch\/English\u003cbr\u003e9789462087156\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Nai010 Publishers, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"nai010 publishers","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750455689513,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/Art_ProjectAHistory.jpg?v=1709820707"},{"product_id":"the-third-hand-marton-perlaki","title":"THE THIRD HAND \/ Marton Perlaki","description":"\u003cp\u003e2015年の「FOAM TALENT」にも選ばれたハンガリー人アーティスト、マートン・ペルラキ（Marton Perlaki）の作品集。作者の多角的かつ実験的な制作を紹介する一冊。2018年から2023年の5年間の活動を捉えており、その間、作者は具象的な表現から抽象作品へと移行しています。本書では、作品やスケッチブック、制作プロセスの記録やアーカイブ写真など、豊富な図版を収録。自らの作為から離れた具象がいかにして生まれるのか、その「第三の手（THE THIRD HAND）」について焦点を当てています。1000部限定。版元はInOtherWords、デザインはOK-RMが担当しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本書は、絶えず自身を再構成し続ける実践に、いかにして具体的な型を与えることができるだろうか？という問いを投げかけています。12に分かれたセクションの集積は、個々の「編集」が作者の深くて厳格な実践の撚り糸のもつれをほぐし、それが絡み合う方法を探しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 310\u003cbr\u003eSize: 210 x 280 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003elimited edition of 1,000 copies\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDesigned by OK-RM\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by IN OTHER WORDS, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"InOtherWords","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750457164073,"sku":"1","price":11550.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/thethirdhand.jpg?v=1709818578"},{"product_id":"reversvs-reuse-and-redemption-in-the-patrimony-of-the-vatican-library","title":"(RE)VERSVS - REUSE AND REDEMPTION IN THE PATRIMONY OF THE VATICAN LIBRARY","description":"\u003cp\u003e2023年にバチカン図書館のエキシビジョン・ホールにて開催された展覧会「(RE)VERSVS. REUSE AND REDEMPTION IN THE PATRIMONY OF THE VATICAN LIBRARY AND IN THE ART OF SIDIVAL FILA」に伴い刊行された作品集。本展では、アーティストとバチカン図書館のキュレーター陣が「再利用（REUSE）」と「救済（REDEMPTION）」をテーマとして深く考察。バチカン図書館の歴史的遺産を用いて、写本、テキスタイルや大理石の断片など、あらゆる素材の用途を転換し、新たな価値への可能性を探究しています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eブックデザインはオランダ人グラフィックデザイナー、イルマ・ボーム（Irma Boom）が手がけており、ダンボールのフルート（波形の芯）を表紙に用い、シルバー塗装の上に印刷を施しています。凹凸によって生まれるわずかなインクのズレや滲み、肌理など、本書そのもので展覧会の試みへと挑んだ一冊です。本文では、作者が製紙会社と共同で開発した特殊紙「IBO One」が用いられ、裏抜けを構造に取り込んだ独特な設計がなされています。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e本展は、図書館内の「サーラ・バルベリーニ（Sala Barberini）」でサイト・スペシフィックなインスタレーション「Natura Artificialis」とともにまとめられており、そのインスタレーションはブラジル出身のアーティストであるシディバル・フィラ（Sidival Fila）の重要なヴィジョンを象徴しています。もっぱら自然が人類に奉仕するものとされている誤った考えと、人類そのものに対する批判的な目線を起点としたフィラの重要な考え方がそこでは見ることができます。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 192\u003cbr\u003eSize: 155 x 231 mm\u003cbr\u003esoftcover \u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003eITALIAN \u0026amp; ENGLISH\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by WALTHER KÖNIG, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"WALTHER KÖNIG","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750457622825,"sku":"1","price":7150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/RE_VERSVS-REUSEANDREDEMPTIONINTHEPATRIMONYOFTHEVATICANLIBRARY_w.jpg?v=1709651157"},{"product_id":"re-printed-matter-karel-martens","title":"RE-PRINTED MATTER \/ KAREL MARTENS","description":"\u003cp\u003eアートとデザインの双方の観点から注目を集め続けるオランダのグラフィックデザイナー、カレル・マルテンス。彼の作品は個人的かつ実験的なものでもあると同時に、それは公共の歴史として積み重ねられています。本書では、ブックデザインやカタログ、郵便切手、ポスター、コイン、建物の看板など、さまざまなデザインコミッションの作品と同時に、彼のアーティストとしての活動を収録。後者は幾何学的構造と動力学的構造から始まり、紙の素材そのものにモノプリントと呼ばれる版画を用いて作られ続けてきました。1996年に初版が刊行され、その継続的な需要に応えて継続的に増刊を重ねる「Re-Printed Matter」。今回の第四版では約60年に渡るその活動の記録と作品が収録されています。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 280\u003cbr\u003e\nSize: 170 x 230 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Roma Publications, 2019\u003c\/p\u003e","brand":"Roma Publications","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750459883817,"sku":"1","price":6820.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/reprintedmatter.jpg?v=1709817587"},{"product_id":"mamama-karel-martens-mark-manders-ari-marcopoulos","title":"MAMAMA \/ Karel Martens, Mark Manders, Ari Marcopoulos","description":"\u003cp\u003eオランダの出版社Roma Publicationsが2023年の東京アートブックフェアのために制作した特別なZINE『MAMAMA』。写真家アリ・マルコポロス（Ari Marcopoulos）がマーク・マンダース（Mark Manders）のスタジオで撮影した写真を、オランダのグラフィックデザイナー、カレル・マルテンス（Karel Martens）の作品集『Small Prints』の余りシートにプリントしてつくられた一冊です。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 8\u003cbr\u003eSize: 240 × 170mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by Roma Publications, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Roma Publications","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750461063465,"sku":"1","price":1650.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/mamama.jpg?v=1709793132"},{"product_id":"sense-sound-sound-sense-fluxus-music-scores-records","title":"SENSE SOUND SOUND SENSE - FLUXUS MUSIC, SCORES \u0026 RECORDS","description":"\u003cp\u003eサウンドを通して「フルクサス」の世界的遺産を紹介する一冊。本書は2019年9月から2020年1月までロンドンの「ホワイトチャペル・ギャラリー（Whitechapel Gallery）」で開催された展覧会に伴い刊行された。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eグランドピアノを使って音を生むにはどうすれば良いのだろう。ピアノの蓋を開き、木製のブロックを楽器の内側に並べ、一つが倒れて雑音が出るようにするのか、それとも鍵盤の上に乾燥した豆を落とすのか。「フルクサス」のコンセプチュアル・アーティストであるジョージ・ブレヒト（George Brecht）は、代表作の一つである「Incidental Music」において、一度に何人かの人々がピアノと触れ合う方法を実演するように仲間のアーティスト等に伝えた。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e「フルクサス」の活動は1960年代、日常的な素材を使い実験的な「ハプニング」を演出するアーティスト、ミュージシャン、パフォーマーたちの国際的なネットワークとして世に現れた。反アカデミックであり、平凡であり、全ての人に開かれた創造性というものに向けた立場を共有していた。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eジョン・ケージ（John Cage）、フィリップ・コーナー（Philip Corner）、ディック・ヒギンズ（Dick Higgins）、アリソン・ノウルズ（Alison Knowles）、ジョージ・マチューナス（George Maciunas）、クレス・オルデンバーグ（Claes Oldenburg）、オノ・ヨーコを含む、「フルクサス」の音楽やサウンドアーティストたちの興味の対象を、パフォーマンス、楽譜、レコード、そして「ルイージ・ボノット・コレクション（Luigi Bonotto Collection）」品を介して掘り下げる。アーティスト陣による公開イベントは、従来の音楽の形式と内容を再考するものであり、楽譜へのアプローチも同様に画期的であった。伝統的な楽譜の代わりに、グラフィック、詩、ビジュアル・アートに基づいた記譜システムを考案したのである。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 224\u003cbr\u003eSize: 170 x 240 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by DANILO MONTANARI EDITORE, 2020\u003c\/p\u003e","brand":"DANILO MONTANARI EDITORE","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750461227305,"sku":"1","price":7700.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/SENSESOUNDSOUNDSENSE-FLUXUSMUSIC_SCORES_RECORDS.jpg?v=1709654101"},{"product_id":"colour-based-on-nature-irma-boom","title":"Colour Based On Nature \/ Irma Boom","description":"\u003cp\u003eオランダ人グラフィックデザイナー、イルマ・ボーム（Irma Boom）の作品集。80箇所に及ぶユネスコ自然保護地区をリサーチした本書は、「自然を色で表現する」というコンセプトのもと、世界各地、各大陸のユネスコ世界遺産を「色」で紹介しています。特別な色で印刷された各ページには、色見本のアイデアを利用した短冊状のミシン目が入っています。このミシン目を開くと、それぞれの自然保護地区を再現した抽象的な色彩図が現れ、自然の中に存在する「色」についての調査と、それらをカラーダイアグラムで表現したデザインを見ることができます。\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eThe book \"colour-based on nature\" provides an intriguing analysis and graphic exploration of colour through an examination of 80 UNESCO nature sites, ranging from Great Barrier Reef in Australia to the Jungfrau in Swiss. Each double folded page takes on a specially printed individual colour and is perforated into strips, playing on the idea of a colour sample book. Opening of the double page with a blunt knife or letter-opener reveals an abstract colour diagram of a nature site and provides for a reflection on the beauty of colours in nature.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e‘Colour Based on Nature’ takes the concept of Irma Boom’s previous work further afield, highlighting UNESCO World Heritage sites across the globe and on every continent. This time, the colour diagrams are derived from 80 natural locations designated by the UNESCO list. It is an exercise in describing without words, using instead colours to evoke and celebrate the essence of a place. Detailed information about the World Heritage properties, their selection criteria, how many are inscribed per nation and in what regions such sites are most endangered makes this an important tribute to the reasons such places exist.\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e\nPages: 176\u003cbr\u003e\nSize: 240 x 310 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor\u003cbr\u003e\nEnglish\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003ePublished by Thomas Eyck, 2012\u003c\/p\u003e","brand":"Thomas Eyck","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47750461718825,"sku":"","price":8800.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ColourBasedOnNature_IrmaBoom.jpg?v=1709651931"},{"product_id":"a-place-for-daytime-cooking-atelier-september","title":"A PLACE FOR DAYTIME COOKING \/ Atelier September","description":"\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eフレデリック・ビル・ブラーエ（Frederik Bille Brahe）が手がける、今や世界的に有名なレストラン「アトリエ・セプテンバー（Atelier September）」の料理本。\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003e本書は、作者の持つ数々のレストランのうち「アトリエ・セプテンバー」のみに焦点を当てた初めての一冊であり、オーナーのビル・ブラーエが手がけた朝食、ランチ、スイーツなど「アトリエ・セプテンバー」の定番料理86種類のレシピが掲載されています。レシピブックでありながら、本書の版元「APARTAMENTO」らしい親しみやすい作品集です。\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan style=\"font-weight: 400;\"\u003eあわせて作者が書き下ろした序文と、幕間のように差し込まれた詩的なテキストが、このレストランの初期やキッチンでのインスピレーション、そしてのちにコペンハーゲンで最も名の知れたレストランの一つとなった裏話を垣間見せます。編集は、デザイン、インテリア、建築、食にまつわる編集や執筆を手がけるジェニ・ポーター（Jeni Porter）が担当、写真はフォトグラファーのラスマス・ウェン・カールセン（Rasmus Weng Karlsen）が撮影。\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e‘This is a blueprint, you could say, for how to live a good life, eat well, and be happy.’\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAtelier September: A place for daytime cooking is the first cookbook dedicated to the renowned Copenhagen restaurant, featuring recipes from owner Frederik Bille Brahe, who grants exclusive access to Atelier September’s most iconic dishes. Eighty-six recipes offer mostly vegetarian takes on breakfast, lunch, sweets, and A.S staples, including the ‘Avocado mad’, all with a focus on fresh, seasonal ingredients. Frederik renders recipes for fluffy, financier-like pancakes, seasonal soups and salads, and matcha-flavoured desserts with the same familiarity that shaped his first, best-selling book with Apartamento, All the Stuff We Cooked. An introduction and poetic interludes written by Frederik offer a glimpse into A.S’s early days and culinary inspirations, backstory for what would become one of the most celebrated restaurants in Copenhagen. Edited by Jeni Porter and featuring photographs by Rasmus Weng Karlsen, Atelier September is a kind of homecoming—both in the memories evoked by familiar flavours and beautiful objects, as well as through the lifelong friends we make gathered around a table.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 256\u003cbr\u003eSIze: 215 x 297 mm\u003cbr\u003ehardcover\u003cbr\u003ecolor\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePublished by APARTAMENTO, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"APARTAMENTO","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47870242947369,"sku":"","price":12100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/A-PLACE-FOR-DAYTIME-COOKING-by-Atelier-September.jpg?v=1711432781"},{"product_id":"the-fluxus-newspaper","title":"THE FLUXUS NEWSPAPER","description":"\u003cp\u003e前衛芸術運動「フルクサス」のメンバーにより発行された「フルクサス新聞（THE FLUXUS NEWSPAPER）」の全11号をまとめた一冊。「フルクサス新聞」は1964年1月から1979年3月までの間に発行され、「フルクサス編集評議会（Fluxus Editorial Council for Fluxus）」として知られる、アーティスト集団のメンバーが入れ替わりながら編集を担当した。最後の2号を除く全ての号が、「フルクサス」の創始者ジョージ・マチューナス（George Maciunas）によってデザインされた。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「フルクサス新聞」は、不定期に発行されたにもかかわらず、その活動におけるイベントや出版物、特にグループの有名なマルチプルや「フルックスキット（Fluxkits）」の宣伝に使用され、広告資料や注文書、価格表などが散りばめられていた。また、単なる宣伝や情報提供のための場に留まらず、60人以上のアーティストの作品や、新聞の見出し、広告、記事、コミック・ストリップが掲載され、グループの反芸術的な感覚や特徴的なユーモアが表現されている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e当初は、コンセプチュアル・アーティストのジョージ・ブレヒト（George Brecht）が1963年に開催された「ヤム・フェスティバル（Yam Festival）」の際に発表した単発の出版物『V TRE』にちなんで名付けられ、創刊号から2号の刊行は「cc」が使用された。これは、この新聞がブレヒトの原本の複製であることを示している。2号の発刊後、編集者たちは「V TRE」を含む他の様々なタイトルで遊び始め、「cc Valise e ThReE」、「Vacuum TRapEzoid」、「Vaseline sTREet」などといった号を制作した。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e「フルクサス新聞」は、その活動に特有の創造的かつ「DIY」な姿勢を体現している。これは協力的であり学際的、そして反商業的であり、ユーモアがあり、誰にでもオープンなアプローチを指している。この定期刊行物はまた、アーティストによる新聞の初期の例でもあり、地下出版運動から発展し、60年代後半から70年代にかけて、アーティストたちが独自の作品を発表し、配布するための新しいメディアを模索し始めた時期に繁栄したのである。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e収録アーティスト：\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e靉嘔、キャロル・ベルジェ、ヨーゼフ・ボイス、エレイン・ブロードウ、ジョージ・ブレヒト、クリスト、フィリップ・コーナー、ウォルター・デ・マリア、ウィレム・デ・ライダー、ベルン・エリスマン、ナイ・ファラバス［ビチ・フォーブスとして参加］、ロベール・フィリュウ、ヘンリー・フリント、ケン・フリードマン、 キャロリン・クルム、ハインツ・ガップマイヤー、オイゲン・ゴムリンガー、レイモンド・ヘインズ、ディック・ヒギンズ、ジェフリー・ヘンドリックス、ジョン・ヘンドリックス、アリス・ハッチンス、泉 龍、レイ・ジョンソン、ジョー・ジョーンズ、アラン・カプロー、ミラン・クニジャック、アリソン・ノウルズ、アーサー・ケプケ、 小杉武久、ルース・クラウス、フィリップ・クルム、リゲティ・ジェルジュ、ジョージ・マチューナス、アンガス・マクライズ、ジャクソン・マック・ロー、ラリー・ミラー、ピーター・ムーア、ハンス・ノルデンストレム、オノ・ヨーコ、ナム・ジュン・パイク、ベンジャミン・パターソン、ジェームズ・リドル、ディーター・ロス、 斉藤陽子、塩見允枝子、トーマス・シュミット、ダニエル・スポエリ、クリスター・ストレムホルム、刀根康尚、スタン・ヴァンダービーク、ベン・ヴォーティエ、ジャック・ヴィルグレ、ヴォルフ・フォステル、ヨシ・ワダ、ロバート・ワッツ、エメット・ウィリアムズ、ウィリアム・S．ウィルソン、ラ・モンテ・ヤング、マリアン・ザゼーラ\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe Fluxus Newspaper\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e collects all eleven newspapers published by the Fluxus art collective between January 1964 and March 1979. The newspapers were edited by an ever-changing team of artists known as the Fluxus Editorial Council for Fluxus and every issue, except the last two, was designed by Fluxus founder George Maciunas.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eAlthough published irregularly, the newspapers were used to promote Fluxus events and publications, especially the group’s famous multiples and \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eFluxkits\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e, with advertising materials, order forms, and pricelists interspersed throughout. More than just a space for promotion and information, the Fluxus newspapers featured the work of over sixty artists as well as appropriated newspaper headlines, advertisements, articles, and comic strips that are indicative of the group’s anti-art sensibility and characteristic humor.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eIssues of the newspapers were originally designated as cc \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eV TRE\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e after the earlier, one-off publication \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eV TR\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eE, which artist George Brecht released on occasion of the \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eYam Festival\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e (1963). The use of “\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003ecc\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e” in these early issues indicated that the publication was a copy of Brecht’s original version. After the first two releases, the editors started to play with various other titles containing “\u0026gt;\u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eV TRE\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e,” producing issues titled cc \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eValise\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e e ThReE, Vacuum \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eTRapEzoid\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e, and \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eVaseline sTREet\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e, among others.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe Fluxus Newspaper\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e is exemplative of the “do-it-yourself” creative attitude characteristic of Fluxus an approach that is collaborative, interdisciplinary, anti-commercial, humorous, and open to anyone. The periodical is also an early example of the artist newspaper, a medium which grew out of the underground press movement and flourished in the late 60s and 70s as artists began to seek new mediums for presenting and distributing their work.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eArtists featured in \u003c\/span\u003e\u003cem data-mce-fragment=\"1\"\u003eThe Fluxus Newspaper\u003c\/em\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003e include: Ay-O, Carol Bergé, Joseph Beuys, Elaine Bloedow, George Brecht, Christo, Philip Corner, Walter De Maria, Willem de Ridder, Bern Erismann, Nye Ffarrabas [participating as Bici Forbes], Robert Filliou, Henry Flynt, Ken Friedman, Carolyn Krumm, Heinz Gappmayr, Eugen Gomringer, Raymond Hains, Dick Higgins, Geoffrey Hendricks, Jon Hendricks, Alice Hutchins, Tatsu Izumi, Ray Johnson, Joe Jones, Allan Kaprow, Milan Knížak, Alison Knowles, Arthur Köpcke, Takehisa Kosugi, Ruth Krauss, Philip Krumm,  György Ligeti, George Maciunas, Angus MacLise, Jackson Mac Low, Larry Miller, Peter Moore, Hans Nordenström, Yoko Ono, Nam June Paik, Benjamin Patterson, James Riddle, Dieter Roth, Takako Saito, Mieko Shiomi, Tomas Schmit, Daniel Spoerri, Christer Strömholm, Yasunao Tone, Stan VanDerBeek, Ben Vautier, Jacques Villeglé, Wolf Vostell, Yoshimasa Wada, Robert Watts, Emmett Williams, William S. Wilson, La Monte Young, Marian Zazeela.\u003c\/span\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eFluxus was a loose international collective of artists, poets, and musicians with a shared impulse to challenge the existing conventions of art making and propose a model of how art could be part of one's life. After a series of year-long festivals in Europe between September 1962 and Summer 1963, Fluxus established its headquarters in downtown New York, and soon developed offshoot centers across the United States, Latin America, Europe, and Asia. George Maciunas acted as the spokesperson of the collective from 1962 until his premature death in 1978. He coined and employed the term Fluxus to describe the collectives wide range of activities, including performances, concerts, publications, multiples, and the founding of collective live\/works spaces for artists (Fluxhouse Cooperatives) inter alia.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 80\u003cbr\u003eSize: 267 x 356 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003esoftcover\u003cbr\u003eblack and white\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003epublished by PRIMARY INFORMATION, 2024\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"PRIMARY INFORMATION","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":47929987399977,"sku":"","price":4950.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/THEFLUXUSNEWSPAPER.jpg?v=1711792970"},{"product_id":"spell-time-practice-american-body-ramell-ross-ramell-ross","title":"SPELL, TIME, PRACTICE, AMERICAN, BODY RAMELL ROSS \/ RaMell Ross","description":"\u003cp\u003eアメリカ人アーティストで映像作家、映画監督、ライターであるラメル・ロス（RaMell Ross）の作品集。大判の写真、彫刻、コンセプチュアル作品、厳選された映像作品に加え、作者本人と数々の作家による啓発的なテキストをまとめた野心的な一冊。ミステリアスでありながらも、日常的なアメリカ南部の年代記として、歴史的な記録として、そして未来についての過激な想像として読むことができます。\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003e本書は、作者自身が選んだ故郷であり、アカデミー賞にノミネートされたドキュメンタリー『Hale County This Morning, This Evening』（2018年 \/ 日本未公開）の舞台となったアラバマ州ヘール郡で撮影された啓発的なカラー写真のシリーズで幕を開ける。それから、南部の視覚的表象を検証し、解体し、書き換える一連の写真作品やミクストメディア作品、文章へと続く。これらの作品の中にあり、この本の核となっているロスの映像作品『Return to Origin』（2021年）は、自らを4x8フィートの箱に入れて発送するという異色のコンセプチュアル作品である。これは、1849年に自由を求めて自らを箱詰めにして北部へ脱出したヘンリー・ブラウン（Henry Brown）に由来している。この作品でロスは、象徴的な意味から解き放たれ、その下にある大地、土、土壌、土地が姿を現した南部についての新たな視覚的物語を創造した。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eラメル・ロス本人、詩人で教育者のトレイシー・K・スミス（Tracy K. Smith）、キュレーターのリチャード・マッケイブ（Richard McCabe）、研究者スコット・マシューズ（Scott Matthews）によるテキストを収録。\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 252\u003cbr\u003eSize: 226 x 279 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003epublished by Mack, 2023\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Mack","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48045556597033,"sku":null,"price":15400.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/SPELL_TIME_PRACTICE_AMERICAN_BODYRAMELLROSS_RaMellRoss.jpg?v=1712590943"},{"product_id":"archive-sofia-coppola","title":"ARCHIVE \/ Sofia Coppola","description":"\u003cp\u003eアメリカ人映画監督でプロデューサー、脚本家、女優、ファッションデザイナーであるソフィア・コッポラ（Sofia Coppola）の作品集。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e自らの映画界におけるキャリアのすべてを網羅した、作者にとって初のアートブックとして刊行された本書は、初期の草稿、参考資料のコラージュ、影響を受けたもの、注釈付きの脚本、未公開の舞台裏の記録など、作者の個人的な写真とエフェメラのコレクションで構成され、これまでに手がけた8作品すべてが詳細に解説されている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e「ヴァージン・スーサイズ（英題：The Virgin Suicides）」（1999年）から「ロスト・イン・トランスレーション（英題：Lost in Translation）」（2003年）、「マリー・アントワネット（英題：Marie Antoinette）」（2006年）、「The Beguiled\/ビガイルド 欲望のめざめ（英題：The Beguiled）」（2017年）、そしてエルビス・プレスリー（Elvis Presley）の妻プリシラ・プレスリー（Priscilla Presley）のグレースランドでの幼少時代を描いた最新作「プリシラ（英題：Priscilla）」（2023年秋公開予定）まで、21世紀を代表する紛れもない名作の数々の舞台裏を垣間見ることができる、満足感の高い1冊に仕上がっている。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e作者自身が編集を手掛け全編に注釈をつけた本書を通じ、彼女の手法、参考にしたもの、コラボレーターたちとの私的な出会いや、これまで表に出ることがなかった作業プロセスに触れることができる。自身のアーカイブから集められた極めて個人的な画像やテキストとともに、そこに浮かび上がる燦然たる作品群について語り合った、映画ジャーナリストであるリン・ハーシュバーグ（Lynn Hirschberg）によるロングインタビューを収録。\u003cbr\u003e\u003cmeta charset=\"utf-8\"\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e*本書収録インタビュー日本語版冊子 \/ ポストカード付属\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 488\u003cbr\u003eSize: 216 x 280 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003epublished by Mack, 2023\u003c\/p\u003e","brand":"Mack","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48051773473065,"sku":"","price":18150.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/ARCHIVE_SofiaCoppola.jpg?v=1712556916"},{"product_id":"u-joints-a-taxonomy-of-connections-1","title":"U-JOINTS - A TAXONOMY OF CONNECTIONS","description":"\u003cp\u003eデザインにおける継手（ジョイント）の分類を紹介する作品集。本書は、名作プロダクトの継手に関するリサーチから、建造物の結合部や服飾の縫製をはじめ、ボルト、シーリング、溶接、木組、ニット、ロープ、フェンス、交通網など、あらゆるジャンルに存在する「継手」を分類。4年にわたるリサーチと展覧会シリーズを経て、900ページ超に及ぶボリュームで包括的にまとめられた作品集です。研究者やデザイナー、建築家、アーティスト、写真家、イラストレーターなど120人以上の著者の声と視点をまとめ、豊富な図版とエッセイ、インタビュー、工場見学、ルポルタージュ、そして膨大な種類の継手の分類という形で、デザインと建築にアプローチした一冊。\u003c\/p\u003e\n\n\n\n\n\u003cp\u003e収録アーティスト：\u003cbr\u003e\nロナン・ブルレック、ダグラス・クープランド、トーマス・デマンド、コンスタンチン・グルチッチ、隈研吾、エンツォ・マーリ、トム・サックス、ディヤン・スジック、フィリップ・ワイズベッカー、ピーター・ズントー他\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003eContorbutors:\u003cbr\u003e\nJohanna Agerman Ross, Florian Amoser, Andrea Anner, Ron Arad, Ines Ariza, Amy Auscherman, Kate Bachman, Mattia Balsamini, Margherita Banchi, Olivo Barbieri, Anna Bates, Luca Becchetti, Martin Bereuter, Robin Bervini, Elizabeth Bisley, Philippe Block, Jörg Boner, Erwan Bouroullec, Ronan Bouroullec, Thibault Brevet, Barbara Brondi, Franco Bulian, Gabriela Burkhalter, Carlo Carbone, Marco Casino, Eleonora Castellarin, Michel Charlot, Pierre Charpin, Andrew Clancy, Johann Clopath, Brendan Cormier, Andrea Corsi, Matthieu Cortat, Marco Costantini, Douglas Coupland, Giuliana Crocco, Nicolai de Gier, Marco De Michelis, Thomas Demand, Benjamin Dillenburger, Delphine Drouin-Prouvé, Félix Escrig-Pallarés, Didier F Faustino, Ramak Fazel, Margherita Ferrari, Luigi Fiano, Lia Forslund, Vincent Fournier, Hiroshi Fujiwara, Fabrizio Gallanti, Lukas Gansterer, Ilaria Giannetti, Raúl González-Bravo, Fabio Gramazio, Susanne Graner, Stefano Graziani, Konstantin Grcic, Maxime Guyon, Sebastian Hackenschmidt, Dirk Hebel, Sam Hecht, Christina Högner, Yngve Holen, Clare Hunter, Dylan Iwakuni, Hella Jongerius, Jane Joyce, Hettie Judah, Eliyahu Keller, Kevin Kelly, Emily King, Ruby Kitching, Matthias Kohler, Jolanthe Kugler, Kengo Kuma, Wataru Kumano, Evey Kwong, Markus Lahteenmäki, Tiffany Lambert, Andreas Larsson, Anssi Lassila, Gabriele Lelli, Miles Lewis, Thomas Lommée, Cecilie Manz, Enzo Mari, Michael Marriott, Allegra Martin, Sally McGrane, Joanne McNeil, Alberto Meda, Renee Merckx, Nicholas W Moore, Leonardo Mosso, Jonathan Olivares, Manuel Orazi, Federico Parolotto, Des Pawson, Eugenio Perazza, Tom F Peters, Philippe Petit, Marta Pezzoli, Francesca Picchi, Matteo Pirola, Nicolas Polli, Mariana Popescu, Irene Posch, Bertjan Pot, Piercarlo Quecchia, Marco Rainò, Julie Richoz, Nadja Rottner, Chiara Francesca Ruggiero, Paolo Rui, Tom Sachs, Simone Sandahl, Christoph Schindler, Burkhard Schmitz, Alessandro Simonetti, Delfino Sisto Legnani, Sina Sohrab, Peter Steinhauer, Bruce Sterling, Oli Stratford, Deyan Sudjic, Christian Sumi, Fabio Targa, Skylar Tibbits, Joanna van der Zanden, Justinas Vilutis, Kari Virtanen, Yves Weinand, Philippe Weisbecker, Mark Whitby, Richard Wiborg, Alastair Philip Wiper, Peter Zumthor.\u003cbr\u003e\n-\u003cbr\u003e\nPages: 943\u003cbr\u003e\nSize: 213x270 mm\u003cbr\u003e\nsoftcover\u003cbr\u003e\ncolor, black and white\u003c\/p\u003e\n\n\n\u003cp\u003epublished by SYNC-SYNC EDITIONS, 2022\u003c\/p\u003e","brand":"SYNC-SYNC EDITIONS","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48072381595945,"sku":null,"price":23100.0,"currency_code":"JPY","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/U-JOINTS.jpg?v=1712663523"},{"product_id":"gathering-alex-katz","title":"GATHERING \/ Alex Katz","description":"アメリカ人アーティスト、アレックス・カッツ（Alex Katz）の作品集。2022年12月から2023年2月までニューヨークのグッゲンハイム美術館で開催された、1986年以来となる大規模回顧展にあわせて刊行された作品集。1940年代に描かれたニューヨークの地下鉄に乗る人々の密なスケッチや、長年描き続けている妻エイダの肖像画を含むカッツの象徴的な作品の数々、近年の壮大な風景画まで、95歳となった今尚精力的な活動を続ける作者の作品を、400ページ近くに及ぶボリュームで余すところなく収録しています。また本作では、アーティスト、作家、そして美術史学者の面々によるエッセイ（英語）を収録。この歴史的なレビュー、エッセイ、詩などの資料集でもある本書は、カッツの全作品を再考する一冊にもなっています。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eSize: 235 x 292 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePages: 384\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ehardcover\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ecolor\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ePublished by Guggenheim Museum, 2022","brand":"Guggenheim Museum","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48072945467689,"sku":"","price":14300.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/GATHERING_AlexKatz.jpg?v=1712663854"},{"product_id":"pre-order-the-scene-by-ulala-imai-signed","title":"THE SCENE by Ulala Imai [SIGNED]","description":"\u003cp\u003e日本人画家、今井麗の作品集。2022年7月から9月まで、ニューヨークの「Karma Gallery」で開催された展覧会に伴い刊行された。同ギャラリーでの個展は作者にとって初となる。テキストはインディペンデント・キュレーターのダグラス・フォーグル（Douglas Fogle）、「ソロモン・R・グッゲンハイム美術館（Solomon R. Guggenheim Museum）」ギャラリー・ガイドのナム・ヒジ（Hiji Nam）が寄稿。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作者の内なる空想の構図の中に生息しているのはテディベアや、おもちゃ、フルーツである。このシリーズでは、ささやかな瞬間が鮮やかに、そして生き生きと描かれている。ナム・ヒジは、作者が「ピーナッツコミックス（Peanuts comics）」や「スターウォーズ（Star Wars）」などのポップカルチャーを引用し、繊細なスティル・ライフ的作品で「魔法のようなマニエリスムの童話的な世界」を生み出していると述べている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e花々の中には人形が添えられ、熟れすぎたバナナと金のテディベアが溢れんばかりの輝きをまとい、「スターウォーズ」のフィギュアがあぜ道を立ち阻み、月光が木の枝にかかり、鹿が森の前で立つ。その淡く繊細な絵画は、素早く迷いのないストロークによって、優美な現実を描き出している。作者はこの現実における被写体を記憶として留め、壮大なスケールをもって、鑑賞者を自身の世界観に引き込んでいく。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eアーティストのディエゴ・ベラスケス（Diego Velázquez）とエドゥアール・マネ（Édouard Manet）からの影響が、描画における大きなジェスチャーと光の表現をもって作者のスタイルを確立させた。時に「Ophelia（Lucy）」（2022年）のように、特定の文脈を元に制作することもある。この作品では、作者が歴史深い絵画の伝統のもと、シェイクスピア（Shakespeare）による「ハムレット（Hamlet）」に登場するヒロイン、オフィーリアの悲劇の死を「ピーナッツ」のルーシーに重ねて描いている。この慎み深い振る舞いは、同じく「ピーナッツ」のルーシーとチャーリー・ブラウンが木の上に座り、いわゆる一般的な恋人同士のパートナーシップを体現している作品「Lovers」（2022年）で対をなしている。作者は至る所で自身が扱う対象の優しい一瞬を捉えるべく、それぞれの感情を掘り下げている。丁寧に、日常が非日常となる儚い瞬間の移り変わりへと鑑賞者を導くのである。そうして、人生における最も重要な出来事は前触れなく現れ、「何気ない細部にこそ、その真価は発揮される」という誰もが必要としていることを思い出させる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e-\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e日々の生活の中で、時々心を掴まれるような印象的な場面に出会う。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e放置されたおもちゃに当たる西日、通り過ぎて行く木々の隙間に見える澄んだ夜空、窓の外で風に揺れる庭。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eそれは決して特別な場所じゃないが、\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e様々な偶然の一致でバランスがはまった時に、ドラマチックな場面になる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eまるで入念に準備された映画の場面のように。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eその一瞬は過ぎて、二度と戻らない。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e私はそんなシーンを描きたい。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e四季の繰り返しは、人々にほとんど変わらない風景を見せ、過ぎ去る日々に懐かしさを感じさせる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e私は懐かしさを彷彿とさせるモチーフを描く事が多い。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e彼らは何世紀を経ても変わらない姿を私たちに見せてくれる。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e私は、彼らに役者のような役割を与えて場面に登場させる事で、\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e観る人は絵の中の印象的なシーンに立ち会っている気持ちになると感じている。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e－今井麗\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e-\u003cbr\u003ePages: 140\u003cbr\u003eSize: 260 x 310 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ehardcover\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ecolor\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eSIGNED by Ulala Imai\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr\u003epublished by KARMA, 2023\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePRE-ORDER *SHIPPED IN MAY\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"KARMA","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48150042935593,"sku":"","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/THESCENEbyUlalaImai_1.jpg?v=1713095236"},{"product_id":"dearest-magali-reus","title":"DEAREST \/ Magali Reus","description":"\u003cp\u003eロンドンを拠点に活動するオランダ人ビジュアルアーティスト、マガリ・レウス（Magali Reus）の作品集。作者の客体性に対する考えを本の形にした一冊。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e作品やそれらのディテール、3Dレンダリング、モックアップ、研究写真に至る様々な資料が交互に掲載されており、作家がつくり出すオブジェやフォルムが具体的にどのようにつくられているのか、制作プロセスとリサーチアーカイブを明らかにしながら、同時に本書そのものが強度のある作品として成立しています。装丁は現代を代表するブックデザイナー、イルマ・ボーム（Irma Boom）が手がけており、作者の3つの作品シリーズ「Dearest」（2018年）「Empty Every Night」（2019年）、「Settings」（2019-2021年）をもとに、3冊の本をテープで留め、本文には様々な種類の紙を用い、透明感のある紙でそのレイヤーを利用したページ構成など、没入感のある非常に洗練されたアーティストブックとなっています。\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eA collectible publication on Magali Reus' thinking of objecthood (an immersive and highly refined artist's book—three assembled volumes, different types of paper, transparency play on layers—based on three new series by the Dutch artist).\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eRenowned for her particular take on what contemporary sculpture can be and express, Magali Reus draws on a vast range of formal influences and references, from the domestic to the industrial, the functional to the decorative, creating works that evolve as a fascinating accumulation and layering of visual details.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDesigned by Irma Boom, one of the most prestigious graphic designers active today, this artist's book offers a unique approach to art making through the unveiling of the sources, visual imagery, and connections that gave birth to the realization of three emblematic series by Magali Reus: \"Dearest,\" 2018; \"Empty Every Night,\" 2019; and \"Settings,\" 2019–2021. Conceived as a space where the viewer can take their time to get a closer, more intimate connection to her work, the publication alternates views of the works, close–up details, and various materials—from a 3D technical rendering and production calculations to mock ups, samples, and research photography. Sharing her production, process, and research archive, Reus allows the reader to decipher the circulation of motifs from one medium to another, her specific take on the ideas of hierarchy, representation, and systems of production, and how she explores the tensions between nature, technology, and the impact of postindustrial human activity. The book gives full credit to her ongoing thinking on objecthood and how the objects and forms she creates take on a strange, disobedient agency. Made of three separate volumes, featuring different paper and taped together, this collectible publication is itself a powerful object.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eThree contributions by art critic and curator Anthony Huberman (\"Leather and Logistics\"), writer and art historian Philomena Epps (\"The Other Hour\"), and artist and writer Sean Burns (\"A Love Affair\") analyze the artist's practice through art historical and literary perspectives.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 288\u003cbr\u003eSize: 240 x 320 mm\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003esoftcover\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003ecolor\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003epublished by jrp | editions, 2024\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"jrp | editions","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48232425029929,"sku":"","price":16500.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/DEAREST---Magali-Reus.jpg?v=1713437278"},{"product_id":"picalso-sophie-calle","title":"PICALSO \/ Sophie Calle","description":"\u003cp\u003e​​フランス人アーティスト、ソフィ・カル（Sophie Calle）の作品集。パブロ・ピカソ（Pablo Picasso）没後50周年を記念し、パリの「ピカソ美術館（Musée Picasso）」はサレ館（Hôtel Salé）に作者を招待。本書は、2023年10月から2024年1月まで同美術館で開催された展覧会に伴い刊行された一冊です。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e本展において、作者は美術館の空間にあるピカソの作品をすべて覆い隠し、ソフィ・カル特有のストーリーテリングによって多くの物語を紹介しています。本書では、作家のいくつかの作品と、多くはキャプションのみを残し包み隠されたピカソの作品を収録したほか、このソフィ・カルとピカソの「ランデブー」を再文脈化し、記憶、欠如、消失、あるいは不在といった作家のテーマを再考するエッセイが収録されています。\u003cbr\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eOn the occasion of the 50th anniversary of the death of Pablo Picasso, the Parisian museum dedicated to the painter invited Sophie Calle to take over the Hôtel Salé. Confronted with the figure of one of the masters of modern art, she chose to completely empty the spaces of the museum – Picasso was expelled! – in order to install her furniture and personal objects there, on the upper floors, and to unfurl, on the ground floor, a fresco imagined as an echo of the famous Guernicabut composed like an immense collage of the works she has been exchanging for years with other artists. To accompany this exhibition, Sophie Calle has imagined a work in which she lists her “rendezvous” with Picasso. Testimonies from guards, paintings packed during lockdown, etc. : so many stories presented in this art of storytelling so particular to Sophie Calle.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eDesigned like an artist's book with its intimate format and its alternations of Bible and creative papers, Picalso immerses the reader in the funny, poetic and singular universe of the artist.\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003eAn essay by Yve-Alain Bois, entitled Picassiette, recontextualizes these “rendezvous” in the work of Sophie Calle and revisits her favorite themes of memory, lack, disappearance or even absence.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e-\u003cbr\u003ePages: 196\u003cbr\u003eSize:173 x 221 mm\u003cbr\u003esoftcover\u003cbr\u003ecolor\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003e\u003cbr data-mce-fragment=\"1\"\u003epublished by Atelier EXB, 2023\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Atelier EXB","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48262643122473,"sku":"","price":11000.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/PICALSO---Sophie-Calle_f233423b-53b1-475b-959e-b5b708afceb2.jpg?v=1714301004"},{"product_id":"between-sculpture-and-poetry-carl-andre","title":"Between Sculpture and Poetry \/ CARL ANDRE　","description":"\u003cp\u003eカール・アンドレ（1935–2024）は1960年代後半のアメリカを中心に興隆したミニマル・アートを代表する彫刻家です。日本の美術館において初めての個展となる本展は、同一の形と大きさに加工した木、金属、石を床に直接置き、規則的に広がるアンドレの典型的な彫刻作品を大きな空間で展開します。アンドレは自身の作品が、それが置かれる周りの空間に作用するものであることを「場としての彫刻」という言葉で表しています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e整然として無機質な印象とは裏腹に、実際の作品を前にすると、金属の光沢や錆、木の手ざわり、石の重みなど、物質それ自体の大らかな姿を目にすることができます。不揃いなユニットが並んでいることにも気が付くことでしょう。また、本展では知る人ぞ知るアンドレの詩をまとまったかたちで紹介します。タイプライターで断片的な単語を打ち込んで構成されるアンドレの詩は、読むことでも眺めることでも楽しめるものです。彫刻に通ずる空間的、構造的な認識や、文学、美術、歴史、政治など作家自身の幅広い思考が反映されています。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e展覧会図録となる本書では、展示のインスタレーションビューを皮切りに、彫刻や詩の作品などを織り交ぜ、充実したテキストと共に収録。特に詩のページでは、印刷や紙も作品と近づけ、原寸大で印刷することでその作品性を体感できます。表紙はアンドレ作品のコンクリートユニットをイメージしたデザインを施し、三方小口をグレーに塗装することで、本全体でアンドレ作品を体現しています。彫刻と詩という離れた表現で展開する、簡潔ながらも単純ではないアンドレの作品と出会うことができます。\u003cbr\u003e\u003cbr\u003eCarl Andre (1935－2024) is one of the best-known sculptors of the Minimal Art movement, which emerged chiefly in the United States in the late 1960s.\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eBetween Sculpture and Poetry\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eis Andre’s first solo exhibition in a Japanese museum. It makes full of use of its spacious venue to showcase Andre’s well-known sculptures made of blocks of wood,  plates of metal, and slabs of stone processed to the same size and shape and placed in regular arrangements directly on the floor. In light of the way they act on the space in which they are installed, the artist describes these works using the term “sculpture as place.”\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e　\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTo view these sculptures in person reveals details that bely the regimented, inorganic impression they make: the way the metal gleams or rusts, the grain of the wood, the heft of the stone—the composed self-possession of matter itself. It also becomes apparent that not all of the units share the exact same size or shape.\u003cbr\u003e\u003cstrong\u003e　\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003ci\u003eBetween Sculpture and Poetry\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003ealso includes a selection of Andre’s poetry, which is evaluated highly by those familiar with it. Andre creates his poems by typing verbal fragments on a typewriter, and the results can be appreciated both as literature and as visual arrangements. Along with the spatial and structural awareness also evident in Andre’s sculpture, they reflect his thinking in a wide range of fields, including literature, art, history, and politics. We invite visitors to\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003e\u003ci\u003eBetween Sculpture and Poetry\u003c\/i\u003e\u003cspan\u003e \u003c\/span\u003eto enjoy its presentation of Andre’s work in these two widely divergent forms.\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003cspan style=\"font-size: 0.875rem;\" data-mce-style=\"font-size: 0.875rem;\"\u003e-\u003c\/span\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePages: 152\u003cbr\u003eSize: 215 x 279 mm\u003cbr\u003ehardcover \u003cbr\u003ecolor, black and white\u003cbr\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003epublished by \u003cspan data-mce-fragment=\"1\"\u003eDIC川村記念美術館\u003c\/span\u003e, 2024\u003c\/p\u003e","brand":"DIC川村記念美術館","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":48275283575081,"sku":"","price":5280.0,"currency_code":"JPY","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0716\/7790\/3145\/files\/BetweenSculptureandPoetry_CARLANDRE.jpg?v=1714392936"}],"url":"https:\/\/aohatabooks.com\/en\/collections\/art-1.oembed?page=7","provider":"本屋青旗 Ao-Hata Bookstore","version":"1.0","type":"link"}